ARTIST INFO

Eagerness of the artist to take a move is a sort of contemplation for him and a source of energy.

- Excerpt from Artist Note

Looking into them closely, we can see that he aims at pure non-objective paintings that produce beauty's self as the system of both form and meaning of tableau, which is drawn up with the composition of almost 'structural' light and colors, hiding the real figure of mountains as much as possible. Of course, this is not that new in the stream of modern paintings; however, but it is very meaningful in terms of the last choice in the finishing stage of the senior painter, Shin Hyeon Guk who has continuously tried self-renewal going to and from between abstraction & reality, and non-conception & conception for his entire life. After all, he returned to a structuralist of light and colors through every kind of Pilgrim's Progress. This could mean returning from the starting point to the starting point again, that is to say, completing a big circle that the starting point becomes the arriving point.

- Excerpt from Lee, Ga Rim's Critique

This way, Shin Hyeon Guk has nearly lived in seclusion and has only painted for over 30 years since he entered Mt. Gyeryong. He draws sometimes with strong colors and other times just like digging up the buried trace of mountains, mutually circulating the traces of big and small touch that realistically spread out. In other words, this circulation can be his emotional expression coming out of his heart and his song of life towards mountains. It goes without saying that thoroughness and freedom coexist here. This is certain absolute vitality reached by facing up to the nature & inherent bitterness of mountains and by corresponding to them without falseness. That is, this vitality as the essence of mountains and nature is the true nature and life of Mt. Gyeryong disclosed in the painter's contemplation; furthermore, it is the beauty of life and the pureness of mountains that only he could accomplish.

- Excerpt from Jang, Jun Seok's Critique

절실함을 갖고 움직이는 노력은 작가 나름의 명상이며, 에너지의 원천이다.

- 작가노트 중 발췌

면밀히 살펴보면, 산의 사실적 형상성을 가능한 한 감추고 거의 ‘구조주의적인’ 빛과 색채의 구도로 짜여진 타블로(tableau), 다시 말해서 타블로의 형식체계와 의미체계 그 자체로서 미(美 beauté)를 산출해 내는 순수 비구상 회화를 지향하고 있음을 알 수 있다. 물론 이것은 현대 회화의 흐름에서 그렇게 새로운 것은 아니다. 그러나 평생 동안 추상과 사실, 비구상과 구상 사이를 왕복하면서 끊임없이 자기갱신을 시도해 온 원로화가 신현국의 마무리 단계에서의 최종적 선택이라는 점에서 의미심중하다. 결국 신현국은 온갖 천로역정을 거쳐 빛과 색채의 구조주의자로 귀환한 것이다. 이는 원점에서 다시 원점으로 되돌아온 것, 즉 출발점이 도착점이 되는 하나의 커다란 원환(圓環)을 완결하려는 것으로 볼 수 있다.

-이가림 평론 중 발췌

신현국은 계룡산에 들어와서 삼십여 년 넘게 은둔하다시피 그림만을 그리고 있다. 때로는 강렬한 색감으로, 때로는 묻혀있는 산의 흔적을 파헤치듯, 적나라하게 펼쳐지는 크고 작은 터치의 흔적들을 서로 순환시켜가며 말이다. 이 순환은 곧 그의 심장에서 드러나는 감성의 표출이자 산을 향한 생명의 노래라 할 수 있다. 여기에 철저함과 자유로움이 공존함은 물론이다. 이는 산의 본성 및 내재된 산의 응어리를 직시하고, 그것과 거짓 없이 함께 조응하면서 이루어지는 어떤 절대적인 기운이다. 이 기운은 곧 산과 자연의 본질로서, 작가의 관조 속에서 드러나는 계룡산의 실체이자 생명이라 하겠다. 이는 더 나아가 그만이 이룩해낸 생명의 아름다움이자 산의 순수함이다.

-장준석 평론 중 발췌

ARTIST CV

DESCRIPTION OF ARTWORK

A White Porcelain with A Blue Dragon

Since the ancient times a dragon was a legendary beast of absolute power representing both spiritual and god-like image.  A dragon’s stance is confident and poised, flying through the high clouds with magnificent strength.  The five toes of a dragon represent the King and commoners were not permitted to own such image.  The background consists of 99% pure gold-leaf which portrays the splendor, wealth and prosperity a dragon represents.

Myeong Sun

Produced in the times of Chosun dynasty it is presumed to have gone over to Japan during the Japanese Invasion of Korea of 1592.  It was known to Japan as “Goryeo Da-wan” and was considered a masterpiece of its time.  A wood plank with definitive wood pattern was used along with multiple layers of oil paints to portray the texture of the Goryeo Da-wan.

The visible flow of the glazing and the definitions of the Apple Blossom petals were carefully portrayed along with the natural cracks of the glaze. The pure water needed to steep the tea acted as an inspiration for the background where the water drops were portrayed.

Untitled Series

For a while my main work has consisted of still-life pieces utilizing Korean cultural subjects and the need to engage in finding a new “me” has led to an extensive research and pondering of my direction.   The search for new material, subject and a new world of creativity led me to a Flea Market selling an antique book containing the old Hangul and scripts.  Convinced that this was the key which will open up the door to a new world of artistic creativity I searched deeper into the culture I, as Korean, adapted from and utilized my findings as a method to come to a creative, yet constructive work.

Untitled 시리즈

한국적인 소재를 위주로 정물화를 그려오면서 내면으로부터 또 다른 나를 찾아야겠다는 생각으로 여러가지 표현방법에 대한 연구를 하고 고민을 하고 새로운 재료에 대한 생각을 하다가 어느날 벼룩시장에서 한글과 한자가 들어 있는 고서를 발견하고 이것이 내가 찾던 새로운 작품세계를 찾아 줄 작품재료로 안성맞춤이라 여겨 여러가지 실험과 시도 끝에 이번 작품들이 나오게 되었다. 한글과 한자를 쓰고 생활하는 관습속에 형성된 한국인으로서 나의 정체성을 나타내기 위한 방법으로 구조적인 추상표현으로 작업을 하고 있다.

ARTIST CV

ARTIST STATEMENT

A Woman's Heart 6 - Treasure Storage

This work is one of the series of A Woman's Heart, showing the psychology of traditional and modern women. The life of a writer with a multi-faceted identity as a mother, wife, woman and artist is expressed in the work, along with the things she valued and longed for in the hardships and happiness of life.

Based on Korea's traditional paintings including "Curtain Paintings" and "Book Paintings," the artist's inner psychology is revealed in a mysterious and covert space concealed behind a lace cloth made of a modern material. Painting tools, bed invoking dreams, time to catch, favorite musical instruments, sold-out works, scattered Korean socks and underwear Jeogori (Korean clothes) are representing a longing for freedom, while at the same time they represent the artist's subtle feelings of wanting to open the curtain and boldly go out into the world and communicate with the world

여심 6 - 보물창고

나의 여심 시리즈는 여성의 섬세하면서도 다양한 심리를 한국적인 소재와 접목시켜 표현하고 있다. 또한 전통적인 여성의 심리와 현대 여성의 심리가 서로 공존할 수도 있으며 이것은 전통 민화의 소재들과 현대를 상징하는 소재들을 함께 표현하면서 상징화시키고 있다.

여인이 입고 있는 한복은 우리나라를 잘 드러내는 소재이며 그 아름다움은 현대에 와서도 인정되기에 더 활발하게 변천되어 오고 있다. 하지만 실제로 입고 있으면 그렇게 편하지는 않다. 이것은 옛 여인들의 아름다운 자태를 느낄 수 있는 반면 자유롭지 못한 행동과 생활들을 동시에 나타내기도 한다.

올해 여심 시리즈의 소주제는 ‘보물창고’다. 지난 여심 시리즈는 우리나라의 사계절을 상징하는 기물들과 색감, 여인이 느끼는 계절에 대한 감정을 한복과 표정에 담았고 그 속에서 작품을 통해 편안함과 쉼, 힐링 등을 느낄 수 있었다면 올해의 여심의 소주제는 ‘보물창고’ 인 것처럼 내 마음속에서 소중하게 여겨지는 기억들을 민화의 ‘장막도’와 ‘기명절지도’의 전통그림을 토대로 현대적 소재들을 가미시켜 표현했다.

예를 들자면 민화의 장막도의 천은 호피나 비단이었다면 여심6-보물창고는 현대 여인들이 좋아하는 레이스 천이다. 레이스는 여성적인 아름다움도 있지만 비치는 소재로 신비로움을 준다. 화면 속의 여인은 작가 자신을 표현하기도 하지만 작가들만의 소중하고 비밀스러운 마음일 수도 있다. 작업실에서는 자유로운 작가의 모습을 속옷 같은 비치는 저고리와 널부러진 버선들로.. 그리고 작가에게 중요한 도구들, 배우고 싶었던 악기, 항상 잡고 싶은 시간, 꿈을 상징하는 이불과 베개, 내가 소유할 수 없는 작품의 그리움 등등... 소중히 간직하고 싶은 마음과 동시에 과감히 보이고 싶은 마음, 세상과 소통하고 싶은 작가의 갈망과 미묘한 감정들을 여심 6에 담아보았다.

올해 여심 6을 시작으로 여러 개의 보물창고 속의 보물들과 함께 마음의 비밀스러운 방들을 열어 볼 생각이다. 추억 같은 보물들을 여심을 통해 가족의 방, 남녀의 방, 여러 세대의 방들을 표현 할 수 있고, 말씀의 보물, 구전 되어진 복이 담긴 보물들 등을 앞으로 작업 할 계획이다.

ARTIST REVIEW

ARTIST CV

ARTIST STATEMENT

Barnacles, which usually inhabit on the seashore, are sessile crustaceans that live attaching to nearby rocks, stakes, under the boats and various things of the human world which frequently are swept away to the deep sea and are pushed to the seashore again. They are creatures belonging to palaeospecies which have so far lived adapting to the environment since they appeared in the Paleozoic Cambrian period. They are similar to humans in that those creatures are weak individually but they have strong viability when they form groups. The author tried to project a human's social aspect in a larger sense and an individual's appearance in a smaller sense through barnacles.   

To barnacles, the world in the artwork means the universe itself where there is a place and time for greeting moments of life and death and water is a symbol of life. In addition, they have neighbors that are small crabs or fish. To these crabs and fish, barnacles are home to live or places to rest for a while. Lives are getting entangled like chains. Creatures, such as barnacles, crabs and fish, and materials that are part of natural environment, or the earth, are in organic symbiotic relationship one another. The author told that men also had to live in harmony with the environment, people and people, people and animals and plants, and people and materials. This artwork embodied a crowd of individuals and a human society in a smaller sense and aspects of life that materials and creatures had to live mixed organically in a larger sense.

따개비는 바닷가에 주로 서식하며 근처 암초, 말뚝, 배 밑 그리고 종종 깊은 바다에 휩쓸려 갔다가 다시 바닷가로 밀려나온 인간세계의 여러 가지 물건들에 붙어 서식하는 고착성 갑각류이다. 이들은 고생대 캄브리아기에 출현하여 현재까지 환경에 적응하며 살아온 화석종 생물이다. 하나의 개체로는 약하지만 군집을 이룰 때 더 생존력이 강한 생명체라는 점에서 인간의 모습과 유사하다. 작가는 이러한 따개비라는 생명체를 통해 크게는 인간사회상, 작게는 한 개인의 모습을 투영하고자 하였다.

따개비에게 작품 속 세계는 삶과 죽음의 순간을 맞이하는 장소와 시간인 우주 그 자체이고 물은 생명을 상징한다. 그리고 이들에게는 이웃이 있다. 작은 게나 물고기들이 그들이다. 이들은 물체 위에 살고 있는 따개비들을 터전으로 살아가거나 잠시 쉬어가는 곳으로 삼는다. 바닷물이 교차하는 곳에 생명과 생명이 고리처럼 얽혀있는 것이다.

따개비, 게, 물고기 등의 생명체와 물질은 지구라는 자연환경의 일부로서 서로 유기적인 공생관계(Symbiotic Relationship)에 있다. 인간 역시 사람과 사람, 사람과 동식물, 사람과 물질 등 환경에 어우러지며 살아가야 함을 이야기 한 것이다. 작가의 작품은 작게는 개인과 인간사회의 군상, 넓게는 물질과 생명들이 서로 유기적으로 얽혀 살아가야 하는 삶의 모습을 형상화 한 것이다.

ARTIST REVIEW

ARTIST CV

ARTIST STATEMENT

어릴 적 어머님의 구슬 보석 지갑에서 쌈짓돈을 꺼내어 조막만한 손에 꼭 쥐어주실 때 우리는 행복했습니다. 보석처럼 빛나는 동전이 지갑에서 끊임없이 쏟아져 나오는 것 같았습니다. 그리운 어머니의 그 마음과 향수는 온전히 이 지갑에 녹아들어 있습니다. '보석 주머니'는 위와 같은 어머니의 마음을 형상화한 것입니다.

누구에게나 친근한 구슬을 사용해 보석지갑을 제작했으며 구슬과 구슬 사이에 RGB 조명을 넣어 색조효과를 극대화하였습니다. 색조가 외부의 빛을 통해 변함과 동시에 조명효과를 통해 보석 주머니의 색이 변하면서 전혀 다른 색조의 보석 지갑이 연출됩니다. 그리고 누구나 복 받고 싶은 소망 '보석 주머니'는 이러한 우리나라 전래의 기복(祈福)과 수복(授福)을 작품화한 것입니다.

ARTIST CV

ARTIST INFO

Lee Hyang Nam, whose works are nomad-themed, an artist who realizes incidents experienced in the journey of life through formative language. The artist expresses the processes (incidents) that lead the journey out to the world escaping the habituated and generalized life through the representation image of shoes. This representation image is the method to reestablish the location of life continuously by reasoning nomad, the method of independent life that she pursues.

What shoes are implementing in the artist's work is a challenge to a new life and that of improvement. In fact, her inspiration such as the Baobab tree in Nairobi, Kenya, the penguin group that made it possible to withstand the cold of the Antarctic and the unrealistic scenery of the Namibia desert are the experiences she brings back to her workshop. The authenticity and candidness of the artist's practical work is the key to bringing the audience closer. The artist is doing these tasks in hopes that she and the audience will return to a more hopeful life through mental healing process to push through the hard times in the walks of life.

She has participated in numerous exhibitions all over the world - France, Netherlands, Belgium, Turkey, Russia, Mongolia, New Zealand, US, Singapore, and China.

The following is a part of the review by Lee Bong Wook, Art Critic:

Lee Hang-nam's true artistic nature crossing the inside and the outside

The artist's childhood dream was an outback explorer and pilot. From those dreams, it can be inferred what she pursues and how she tries to live. Questions and desires for broader world. These might be her fundamental languages in the process of exploring by projecting herself in the actual art works. Why does she want to escape from her world? Gilles Deleuze and Félix Guattari present nomad for the theory of escape. They explained nomad in an important context as a condition of an actual strategy instead of being fixed theoretically. Nomad can't be accomplished just by looking at the world escaping from the reality, but genuine nomad starts from the act of changing life based on practice. The artist might think. Nomad is a war machine that fights against the stable life in the dictating and structural society. To her, it is important how to realize and operate the transcendental outside, or various undecidable worlds, to art works in the current life. The method that Lee Hyang-nam lives out is that of incidents. She is making horizontal escape lines by trying to contact new encounters leaving the conventional life. This act of practice, which is making holes in the conventional life due to unfamiliarity of difference beyond self-identification of principal agent, can be Lee Hyang-nam's own artistic nature.

노마드 라이프를 주제로 작품 활동을 하는 이향남은 고착화·보편화 되어가는 일상에서 탈주하여 세계 바깥으로 여정을 이끄는 과정(사건)들을 신발이라는 표상(representation) 이미지로 나타내고 있다. 이러한 표상은 자신이 추구하는 주체적 삶의 방식인 노마드를 사유하여 지속적으로 삶의 위치를 재설정하는 방식이다.

작가의 작업에서 신발이 구현하고 있는 것은 새로운 삶에 대한 도전이며 나아감이다. 실제로 그녀는 케냐의 나이로비에서 영감을 불러 일으켰던 바오밥 나무라던지, 남극의 추위를 견딜 수 있게 해줬던 펭귄무리, 나미비아 사막의 비현실적인 풍경 등을 직접 경험하고 돌아와 작업으로 풀어낸다. 작가의 실천적인 작품의 소재가 주는 진정성과 솔직함이 관객에게 좀 더 다가갈 수 있는 열쇠가 되고 있다. 작가는 본인, 그리고 관객들이 일상에서 지치고 힘들 때 좌절하지 않고 걷고 또 걷는 과정에서 정신적인 치유를 거쳐 희망찬 삶으로의 귀환을 바라는 마음에서 이러한 작업들을 하고 있다.

아래 글은 Bong Wook Lee art critic (PhD of arts)의 평론 중 일부이다:

작가의 어릴 적 꿈은 오지 탐험가와 비행기 조종사였다. 그의 꿈을 살펴보면 그가 무엇을 지향하고 어떻게 살아가려는지 잘 알 수 있다. 더 넓은 세계에 대한 의문과 욕망들. 이러한 것들이 실제 예술작품으로 자신을 투영하여 탐구하는 과정에서 자신의 본질적 언어가 아닐까 생각한다. 그는 왜 자신의 세계에서 탈주하려는 것일까? 들뢰즈(G. Deleuze)와 가타리(F. Guattari)는 탈주에 대한 이론으로 노마드를 제시하였다. 이들은 노마드를 이론적으로 고착되는 것이 아닌, 실천 전략의 조건으로써 중요한 맥락에서 설명하였다. 현실을 떠나 세상을 바라보는 것만으로 노마드가 될 수 없으며, 진정한 노마드는 실천을 바탕으로 삶을 바꾸는 행위로부터 시작한다. 작가는 생각할 것이다. 노마드는 지배적, 구조적 사회 내에서 안정된 삶과 싸우는 전쟁 기계이다. 들뢰즈와 가타리는 구조들 속에 내재된 것을 카오스적인 것으로 뒤흔들 수 있는 사유의 공간에서 문화의 혼성적인 특성을 찾고자 하였다. 즉 안과 밖을 넘나드는 이향남의 여정 속에서 발견되는 문화들은 새로운 작품의 가능성이 생성되는 공간이기도 하며, 작가의 사유와 궤를 같이하고 있다고 볼 수 있다. 그에게는 노마드가 작동하는 초월적 밖, 즉 결정 불가능한 다양한 세계를 현재적 삶 속(안)에서 작품으로 어떻게 구현하고 작동시킬지가 중요한 이유이기도 한 것이다. 이향남이 살아가는 방식은 사건이다. 그는 보편적 삶을 떠나 새로운 만남들과 접촉을 시도하며, 횡적이며 수평적인 탈주선들을 만들어 나간다. 이러한 실천 행위는 곧 주체의 자기 동일화를 넘어 다름이 주는 낯섦으로 인해 보편적 삶의 구멍을 내는 것으로 새로운 주체자로의 변신을 시도하는 이향남 만의 예술적 실체가 될 수 있을 것이다.

ARTIST REVIEW

ARTIST CV

ARTIST CV

ARTIST INFO

Moon Hye Ja, in 1980-1990, was an active sculptor in the Korean art market and from the late 1990’s worked as a representative artist at Agora Gallery in New York where she newly presented paintings. In addition, she participated with La Galerie Internationale in Palo Alto, California, New York Broadway Gallery and ARTIFACT in Lower East Side Manhattan etc. in both east and west coast of the United States; and participated in group exhibits throughout part of Europe such as Zurich, Swiss and Italy with reputable artists from all over the world.

The following is a review by John Austin:

The Quotient of Transcendence in the Paintings of Hye Ja Moon

What is most evident in the vibrant paintings by Hye Ja Moon exhibited recently at Artifact is a transcendent reality removed from the everyday, away from the prosaic. The ‘here’ and ‘now’ is made otherworldly and eternal. Colorful geometric patterns and structures is the basis upon which we experience the sense of spiritual. Elements in Hye Ja Moon’s paintings celebrate the understanding of humbleness and the mystery found in the world of imagination. Her very personal style is well crafted and filled with an endearing rectitude; it draws its charge from the intuitive search for exactitude while being quite unconventionally quirky in many instances.

The key to the artist’s creative process is its richness and its deceptive simplicity which resonates with striking contrasts and juxtapositions within each work. Merging viewpoints fused in many of Hye Ja Moon’s paintings and give them an op-art feeling. The intensity of opposites results in the remarkable patterns and unexpected combinations of presented and suggested objects through image evoke and expressed. The artist’s paintings wisely allow us to understand her own unorthodox approach in which an impulse to allow the image to unveil itself is the main, determining factor of the art making. Here, an intuitive revelation is the guiding principle of the creation which helps the beholder to experience the artist’s poetic integrity that imbues all of her paintings with convincing rightness.

문혜자는 1980-90년대 한국 미술시장에서 조각가로 활발하게 활동했고 90년대 후반부터는 미국 뉴욕 Agora Gallery의 representative artist로 활동하면서 회화 작품들을 새롭게 선보였다. 그 이후에도 캘리포니아 팔로 알토의 La Galerie Internationale, 뉴욕의 Broadway Gallery, ARTIFACT 등 미국 동부와 서부에서도 활발하게 활동해왔고, 스위스 취리히, 이탈리아 등 유럽에서도 전세계의 작가들과 교류하며 다수의 그룹전에 참여했다.

아래 글은 존 오스틴의 평론이다:

문혜자의 화폭 안에 담긴 초월의 몫 - 존 오스틴

2021년 5월에 열렸던 아티팩트(in 뉴욕)에서 전시된 문혜자의 강렬한 그림들을 보면 매우 분명한 작가의 심상이 있는데, 그것은 바로 매일매일의 지루하고 단조로운, 심지어 따분할 법도 한 일상적인 모티브들이 작품의 배경이 되고, 그 평범한 한계 밖으로 스며 나온 초월적 실체가 화면 위에 그 모습을 드러낸다. 작품 ‘here’의 위로 저 너머의 세계가 그리고 ‘now’(찰나)의 곁에는 영겁이 덧입혀 있다. 보색으로 대비되는 색감, 기하학적 패턴과 구조 위에서 우리는 영감을 경험한다. 문혜자의 작품에서의 요소들은 소박함에 대한 이해와 상상 속에서나 가능한 미스터리를 경탄케 한다. 매우 높이 평가할 만한 바른 태도와 잘 숙련된 기술로 이끌어 내는 그녀만의 작업 방식이 있는데; 그녀의 직관적인 정확성에 대한 추구 때문에 그 혐의를 벗기는 하지만, 많은 경우에 꽤나 관습을 벗어난 기발한 즉흥을 포함한다.

작가의 창작 과정에 관한 호기심을 푸는 주된 열쇠는 바로 풍성함과 단순함의 강렬한 대조와 병치이다. 각 작품마다 이러한 대조와 병치가 아름다운 음악을 이루는 데, 필시 그 풍성함과 단순함은 이원적인 것이 아니어서 서로를 넘나들고 화합한다. (역자의 첨언: 존 오스틴의 Transcendence에는 이 부분도 포함하는 것이리라.) 문혜자 작가의 많은 작품들 속에 녹아 있는 관점들 가운데 최근 부상하는 것은 옵-아트의 느낌을 준다는 것이다. 보색 대비의 강렬함은 패턴을 눈에 띄게 하고, 표현된 이미지를 통해 제시된 사물들의 조합을 갑작스러운 것으로 만든다. 작가의 작품들은 우리로 하여금 그녀 자신의 비정통적인 접근 방식을 이해하도록 이끈다. 그녀의 접근 방식은 예술 작품의 제작에 결정적인 요소이며, 이미지가 그 스스로를 드러내도록 부추긴다. 한 직관적인 계시나 다름없는 ‘here’는 창작을 이끄는 원칙으로 관객들에게 작가의 시적인 통합을 경험하게 해준다. 이 시적인 통합(경계를 넘어섬)은 그녀의 작품 전반을 아우르는 확신에 찬 올바름으로 가득 채운다.

존 오스틴은 예술에 관한 글을 쓰며, 맨하탄에서 지내고 있다.

*역자첨언:

존 오스틴의 글은 짧지만 통찰력 있는 어휘를 사용하여 문혜자의 작품세계를 투사하고 있다. 예를 들어 제목의 The quotient of Transcendence는 초월의 몫으로 번역하였는데, 일상적이고 평범한 생활이라는 시간과 공간 (here and now)의 패턴과 규칙이 우주를 침잠하고 거르고 투영하는 속에서 스스로 드러내는 세상의 본질, 즉흥적이고 비 정통적인, 심지어 기괴한 대조를 불러오는 이미지들이 작품 속에서 서로 대조를 이루거나 병치하는 모습을 존 오스틴은 초월에 따른 결과, 즉 초월의 몫으로 부르고 있다.

ARTIST CV

ARTIST NOTE

Rêveries

The Rêveries series reveals the world of dream with various gazes looking at the new area of stone, the material of inspiration. In this quietness of the dream, the new gaze at the object becomes a passage way that communicates with the object and creates the words of the dream. They are being reinterpreted in color language as the manifestation of Anima. The phenomenon in which the anima in masculinity is expressed on screen is by covering the color of femininity on to the morphological elements of masculinity. Especially in the work of Rêveries-5, the direct conjugation of femininity and masculinity is expressed through the expansion of dream. Anima means that femininity is latent inside masculinity. ([psychoanalysis] Anima: the femininity element in the male unconsciousness)

Between Meaning and Physical Properties

How is the image formed in the process of the material and object's physical properties becoming one meaning? It will be the image in the process that the characteristics of the physical properties are fused into one by the artist's desire. The image that appears like this becomes a symbol and can be called as anything. I do not care whether if it's a stone, a mountain, or a person. The image is located in the deep of my eyes and I already exist in it.

“The image, the product of imagination, never has access to the authority to prove something, but only presents a hidden reality,” points out Gilbert Durand. In the process of building a new world of meanings from the intertwined differences in the physical properties, images are created and physical properties exist as factors that maximize or deepen the difference in meanings. So I may be looking into the drawer of a dreamer made of physical properties.

몽상 (Rêveries)

몽상(rêveries) 시리즈는 영감의 소재인 돌의 새로운 영역을 바라보는 다양한 시선들로 몽상의 세계를 드러낸 것이다. 몽상의 고요함 속에서 대상을 바라보는 새로운 시선은 대상과 교감을 이루는 통로가 되어 몽상의 낱말들을 만들어 내고 있다. 그것들은 아니마(Anima)의 발현으로 색채적 언어로 재해석되고 있다. 남성성의 형태적 요소들 위에 여성성의 색채를 덮어 남성성 속의 아니마가 발현되고 있는 현상을 화면에 표출하고 있다. 특히 몽상-5의 작품에서는 여성성과 남성성의 직접적 결합으로 몽상의 확대를 만들고 있다. (아니마: 남성성 속에 여성성이 잠재되어 있음을 뜻함) ([정신분석] 아니마: 남성의 무의식 속에 들어 있는 여성적 요소)

의미와 물성 사이 (Between meaning and physical properties)

재료와 오브제의 물성이 하나의 의미가 되어가는 과정에서 이미지는 어떻게 형성되는가? 그것은 물성들의 특성이 작가의 욕망에 의해 하나로 융합되는 과정 속에서 이미지가 나타나게 될 것이다. 이렇게 나타난 이미지는 기호가 되어 무엇으로든 불려 질 수 있다. 나는 그것이 돌이나 산, 사람이라도 상관없다. 이미지는 내 눈 깊은 곳에 자리하게 되지만 나는 이미 그 이미지 속에 존재하고 있기 때문이다.

‘상상의 산물인 이미지는 그 무엇인가를 증명해 줄 수 있는 권위 쪽으로는 결코 접근할 수가 없고 하나의 감추어진 현실을 제시할 뿐’이라고 질베르 뒤랑은 지적한다. 물성의 차이가 뒤엉켜 새로운 의미의 세계를 구축하는 과정에서 이미지는 생성되고, 의미의 차이를 극대화하거나 심화시키는 요인으로 물성은 존재하게 된다. 때문에 나는 물성으로 만든 몽상가의 서랍 속을 들여다보고 있을지도 모르겠다.

ARTIST REVIEW

ARTIST CV

ARTIST NOTE

Time of accumulation

The deep wrinkles and rough hands on the old man's face are a decoration of time that has lived for many years. The skin of an old tree that has stretched out toward the sky is covered with layers of armor. The old walls and roughly painted iron gates that separate the inner and outer boundaries are stained with traces of the past and the present. In these traces, one encounters representations such as the principle of natural circulation. When the continuity of time was read from the accumulation and overlap of different time on the traces of living in one era and the cycle of extinction and generation was reflected, a frame was formed in my painting work.

My painting is a work that accumulates time through labor by collecting points of time as nature always makes new attempts for change. It is a work of forming a mental product brought up from the coexistence of a series of time and space. The process of work is carried out by super imposing various colors on the canvas. The colors mixed with pigments for the painted colors are scooped up with a knife and stacked. In such repeated actions, the disappearance and creation of colors is a very natural physical process, and finally, like the strata created by time, the formative beauty created by physical properties is acquired. The subject of the work can be found in the accumulation of time and the traces of time stamped on it. The more underneath it is the past, and the over lapping traces of time are like body odors that cannot be manipulated. As if it were a relic of healing, I hope that the resuit of the work that mixed time will become a painting that heals emotions.

Painting, which is a visual formative language, is a work that extracts the proposition of beauty into conceptual logic, when the points sprinkled in the experierce at the point where I feel beauty, and the material and the material are fused to gain life as a creative object, the possibility of my painting I believe it will expand further.

축적의 시간

노인의 얼굴에 깊게 새겨진 주름과 거칠어진 손은 오랜 세월을 살아온 시간의 훈장이다. 하늘을 향해 거칠 것 없이 펼쳐 올라간 고목 그 표피에는 겹겹이 쌓인 갑옷이 세월을 품고 있다. 안과 밖의 경계를 구분 짓는 오래된 담장과 거칠게 색칠된 철문에는 과거와 현재가 겹쳐 있는 흔적들로 얼룩져 있다. 이러한 흔적들에서 거부할 수 없는 자연의 순환원리와 같은 표상들과 마주하게 된다. 한 시대를 살아간 흔적위로 다른 시간이 쌓이고 겹쳐지는 것에서 시간의 연속성이 읽혀지고 소멸과 생성의 순환을 성찰하게 되었을 때, 나의 회화작업에 틀이 형성되었다.

나의 회화는 자연이 항상 변화를 위해 새로운 시도를 하는 것처럼 시간의 점들을 모아서 노동으로 세월을 쌓아올리는 작업이다. 그것은 일련의 시간과 공간이라는 공존의 관계에서 건져 올린 정신적 산물을 조형화시키는 작업이다. 작업의 과정은 캔버스에 다양한 색상을 겹쳐 칠하면서 진행되는데 칠해진 색상위에 안료를 혼합한 색채를 나이프로 떠서 겹겹이 쌓아 올린다. 그렇게 반복된 행위에서 색상의 소멸과 생성은 지극히 자연스러운 물리적 과정이며 마침내 세월이 만들어낸 지층처럼 물성이 창출한 조형미를 얻게 된다. 작품의 주제는 시간이 축적되고 세월이 각인된 흔적을 쌓은 것에서 찾을 수 있다. 밑에 있는 것 일수록 과거이며 겹쳐진 시간의 흔적들은 조작할 수 없는 체취와 같다. 먼 조상들이 척박한 지형에 구축해 놓은 유적지가 오늘날 현대인들에게 치유의 유물이 되듯이 시간을 혼재시킨 작업의 결과물이 감정을 치유하는 회화로 자리매김하길 기대한다.

시각적 조형언어인 회화는 아름다움이라는 명제를 개념적인 논리로 추출하는 작업이다. 내가 아름다움을 느끼는 지점에서 경험 속에서 뿌려진 점들, 그 것과 질료가 융합되어 하나의 창작물로 생명력을 얻게 될 때 내 회화의 가능성이 더 확장되리라 믿는다.

ARTIST CV

DESCRIPTION OF ARTWORK

Blue Rest

On the outskirts just outside of the main city, a humble building with vinyl curtains made of cement has a shade draped over. Vines and field grass wavering shows that there is wind present. Tired farmers, workers and traveling guests can take a rest, having some rice wine and food where there is a humble breeze of the color blue.

Balloon Vines

In my childhood days there was a Balloon Plant with its name meaning of “fun” which had a fruit shaped like a heart that made a popping sound when you pierce it.  This plant had yet another meaning to its name and it was “love as same as on the inside and out” for this was due to it having a seed also shaped like a heart. On a warm, pre-winter day as I see the ripe, dried Balloon Plant I was reminded of one’s life in a graniferous stage giving the feeling of a warm heart of a grandmother.

Wind in the Sky

The common sighted Platanus tree of the city begins it preparation for the harsh winter ahead in its place of old.  As it soaks in the warmth of the late Autumn sun even warmer than that of Spring’s it hold its stance with the few dried leaves on its branches.  Although its leaves are no longer lush or green it, nonetheless, shows off its beauty with the branches seems to tell the passers-by to take slower steps.

An old maiden has ceased her steps.  She mentions how the tree looks the same as the one at the neck of town when she first came as she married and takes a long gaze at the turning tree. The sight of her deep remorse a panoramic picture of her life comes into mind.

Persimmon Tree of Late Autumn

Under the clear blue sky of autumn the ripen persimmons on its tree seems to greet the travelers at the neck of town. Eating the fully ripe persimmon and looking up to the clear blue sky I yearn for a life that is fuller.

작품설명

파란 휴식

도심에서 조금 벗어난 곳에 소박한 비닐 커튼의 시멘트로 만든 구조물에 그늘망이 드리워진 풍경이다. 잡초들과 넝쿨들이 흔들리며 바람이 불고 있음을 느낄 수 있다. 지친 농부, 노동자, 지나가는 여행객들이 이곳에 잠시 머물면서 막걸리 한사발 기울이며 야참을 먹고 잠깐의 여유와 휴식을 즐겼을 이 곳에는 오늘도 소박한 파아란 바람이 분다.

풍선덩굴(풍선초)

어린 시절 재미라는 꽃말을 지닌 풍선초는 하트모양의 열매로 터트리면 톡하고 소리가 난다. 또 다른 의미로는 겉과 속이 같은 사랑이라는 의미도 있는데 이는 풍선초의 씨도 하트 모양을 띄어서 생긴 의미이다. 따스한 초겨울에 햇살을 가득 머금은 마른 풍선초에서 다 영글어 마르게 되는 인간의 삶이 연상되면서 따스한 마음의 할머니가 떠오르는 선물 같은 순간을 표현하고자 했다.

하늘바람

도심속 친근하게 만날수 있는 플라타너스 나무는 늘 그 자리에서 혹독한겨울을 맞이하기전 가을을 떠나보내기 싫은 듯 봄햇살보다 더 따사로운 늦가을 햇살을 받으며 몇 개의 마른 잎들과 함께 버텨내고 있었다. 비록 무성한 푸른 잎은 아니지만 그 나름대로 운치있고 충분히 아름다운 가지들로 자태를 뽐내며 바쁜 인생들에게 쉬엄쉬엄 가라고 잡아끄는 듯 하다.

길을 지나던 할머니의 발걸음이 멈취진다. 그녀는꽃다운 나이에 시집 올때 시골 마을 어귀에 있던 나무와 똑같다고 하시며 오래도록 져물어가는 나무를 바라본다. 깊은 회한에 잠기시는 모습을 보며 파노라마 같이 스쳐갔을 그분의 인생을 떠올려 보게 된다.

늦가을 감나무

청명한 파아란 가을 하늘 아래 쏟아질 듯 잘 익은 감나무 열매들이 마을 어귀에서 여행객들을 반기는 듯 풍성하게 맞이한다. 잘익은 감을 먹으면서 파아란 가을 하늘을 보면서 삶도 더 풍성해지길 바래본다.

ARTIST STATEMENT

ARTIST CV

ARTIST NOTE

Tactile Remembrance

People have the tendency to “touch” when they behold my paintings.  At first I considered it as a simply interesting phenomenon but, then again, as the sightings were repeated a realization came to me.  Perhaps these responses come from my intended direction for touch within me is reaching the viewers.

In other words, my intent to create figures of mass through utilizing soft materials such as fabric, cotton and fine sands has may have reminded the viewers of a familiar “something” that made them reach our their hands in curiosity.

It may be that, starting from the time inside my mother’s womb to now, all of the experiences are store somewhere inside my body and skin may very well be the part that stores memories by touch.  The skin probably reacted by softening, hardening, warming and contracting when faced with responsive situations and stored information of such experience through time that played a vital role in how I see view the world in general.

With that in mind, perhaps, the figures of mass that I created until this time are manifestation derived from the impressions and feelings through many of these experiences.  Through an especially longer dormant period my choice of touch, a subject of one such personal nature, as a new start of my story is considered to be from an instinctive choice which makes it more meaningful.

In my current project I have utilized figures of animals with the intentions of expressing the desire to “stroke”.  Like the feel you get from the soft cheeks of a baby or a fuzzy back of a puppy that make you want to touch.

I am both excited and curious to find out the reactions I get after seeing my work that further emphasized the element of “touch”.

촉감기억

사람들은 내 그림을 보는 순간 ‘만져본다’. 처음에는 단순히 흥미롭게 여겼지만, 그런 장면이 반복될수록 내 안에 있는 어떤 촉감에 대한 지향과 관련된 반응은 아닐까 하는 생각이 들었다.

즉 그러한 나의 욕구가 천, 솜, 고운 모래 같은 부드러운 질감의 재료들을 선택하여 양감을 가진 형상들을 만들게 했고, 보는 이들에게도 기억 속에 있는 친숙한 감각의 무언가를 연상시켜서 선뜻 손을 내밀게 했던 것인지도 모르겠다.

내가 미미한 자의식을 가진 태아일 때부터 지금까지 겪은 모든 일들은 몸 어딘가에 저장되어 있고, 특히 피부는 그것을 촉감의 형태로 기억하고 있을 것이다. 그리고 특정한 경험을 할 때 나의 피부는 말랑말랑해지거나 달아오르거나 뻣뻣해지거나 소름이 끼치는 등의 반응을 보이며 대상의 정보를 기록했고, 그런 정보의 누적은 세상을 어떤 곳으로 느끼는지에도 많은 영향을 미쳤을 것이다.

그렇다면 지금까지 내가 작업을 통해 표현했던 물성들은 과거에 느꼈던 인상적인 촉감이나 그와 관련된 경험 및 정서의 재현이었을 지도 모르겠다. 특히 오랜 침체기를 거쳐 다시 그림을 그리게 된 때 가장 개인적인 체험인 촉감을 주제로 선택한 것은 나의 이야기가 시작되는 곳을 향한 본능의 이끌림 때문인 듯해서 더욱 의미 있다.

이번 작업을 하면서 나는 동물의 형상을 빌어 주로 ‘쓰다듬고 싶은’ 느낌을 표현하려고 했다. 아이의 보들보들한 뺨이나 강아지의 복슬복슬한 등처럼 나도 모르게 손이 가는 그런 느낌말이다.

그동안의 작업 중에서 촉감적 요소를 더욱 부각시킨 이번 작품들이 사람들에게 어떤 몸짓을 유발할지 궁금하다.

ARTIST CV

ARTIST REVIEW

Aesthetic Characteristics and Algorism Inherent in Yoe Dong-mi’s Work

Hong Kyung-han, Art Critic (Excerpt)

The first is she takes her work’s motif from myth and oral legend such as Hubaekje or Later Baekje’s Gyeon Hwon, the tale of a woman who becomes a serpent looking for sacred medicinal herbs to save her husband, without confining her work to them. The Tale of Zinnia is similar: the Great Jade Emperor’s son saves a maiden offered to a monster serpent but fails to attain his eternal love because of her death.

Strictly speaking, narrative in her paintings is based on our stories and journeys, not a rise or fall in history: as she said that everyone swims alone in the river of history. History is formed when lives gather and a myth develops. Her work is what she feels gathering such narratives. Yoe places her life in myth. She separates subjective memory and feeling and places them in time without conveying objectified words. She generates myth by projecting subjective concepts and involving reality, producing for example The Karma series.

작가 여동미 작업에 내재된 미적 특성과 알고리즘

홍경한(미술평론가)

작가 여동미의 작업에서 엿볼 수 있는 특징, 그 첫 번째는 신화나 전설을 작업의 주요 소재로 하지만 그것 자체로 한정되진 않는다는 점이다. 일례로 후백제 견훤의 이야기나, 남편을 살리기 위해 선약초를 캐러 나섰다 구렁이로 변한 여인의 이야기 등은 사유나 표상이 반영된 신성한 전래 혹은 민간에서 전해지는 구전을 배경으로 한다. 옥황상제의 아들이 이무기에게 제물로 바쳐질 뻔 했던 마을 처녀를 구해냈으나 끝내 현세에서의 영원한 사랑이 아닌 애달픈 망부의 비극으로 막을 내리고만 '백일홍'에 관한 스토리도 같은 맥락이랄 수 있다.

하지만 엄밀히 말해 그의 그림 속에 부유하는 내레이션은 모두 변천 흥망과 과정을 다룬 히스토리가 아닌 우리의 이야기를 밑동으로 하고, 그 여정을 근간으로 둔다. 그의 말마따나 역사의 강물 속에서 홀로 유영해야만 하는 삶, 그 하나하나의 삶의 편린이 모여 역사가 이뤄지고 신화가 탄생하며 그것을 채록하는 과정에서 체감하게 되는 여울을 다룬다고 볼 수 있다.

실제로도 작가는 다양한 신화에 자신의 인생을 얹힌다. 객체화된 채 말로 전해지는 것들에 머물지 않은 채 주관적인 기억들과 감정들을 배어 놓고선 시간의 추에 순간의 지연을 올려놓는다. 그렇게 주체적 개념들을 투영하고 현실을 개입시켜 또 다른 신화를 만들어낸다. 지금의 카르마 연작들은 그런 과정에서 탄생했다 해도 그르지 않다. 이것이 오늘날 작가 여동미를 대리하는 작업들이 지닌 흥미로운 속성이라 해도 무리는 없다.

ARTIST REVIEW

ARTIST CV

ARTIST REVIEW

Informal with Simple, Silent Appeal,  Recent Creation of Figure

Yi Heui-yeong (Art critic)

The artist has been painted from very young. She painted friends and neighbors in childhood and reproduced teacher’s face with her own style on blank space of books in school days. These practices became structure of development and modification for her own style form drawings and sketching in training period. Today, the happiness of production which identifies relationship between friends and her visually showed interests of artist towards human and build up her unique pictorial sources of intimacy.

Her painting produced human body as fast drawing captured in moment and expression implied of facial expression and muscle texture by brush strokes and colorings. Nevertheless, she did not stay on it. Artist referred characters to her experiences constantly and tried modification of obvious feeling in reality. She did not stay it as well built stuff but gain sympathy with spectator. His trial can be found at simplifying transformation.

Figure is a media and a subject in Lee’s Artistic history covered all. The spectators feel familiar with confidence in front of her figure painting and have opportunity to recover freshness of life and pleasure. She experimented traditional practices and intense expression of human body, her production which always put experience easy way into painting create character of simple expression with positive manner to identify that art can be media of recovery and cure.

ARTIST CV

Genuineness of the Painting and Understanding the truth

Sun-tae Kim (Art Critic)

1.

It is a common sense that the art is a means to finding the identity of the subject to express the human desire. Continuous search for the identity is the only way to great art and right path of life.

In her works, Loc hyun Lee does not waver or hesitate to show her identity. Her works, which raises fundamental questions of painting, is not interested in density or delicate formative elements. Contrary to the intention of beautifying and hinting the plot, she vents out her usual thoughts that were stacked up deep inside, so reading her work is interesting for it is like solving puzzles through conjuring up images.

On the technical perspective, her works are oil painting but brush strokes are like a wash drawing filled with terebene to show the realistic tendency and illustrate some very personal daily life and non-daily places. Daily scenes from reality and personal experiences from those scenes are exchanged to simultaneously open a non-daily scene beyond the simple visual understanding.

Through sometimes realistic and others surrealistic styles and techniques, psychological conflict within human mind is intensively explored. Her works investigate and identify everything in the real world from conflict and pain, gap between the ideal and reality, burdens of life, satisfying the needs, solitude and failure.

2.

Lee is a very sensitive painter and has complex structure of reasons. With desire for existence, she expresses confident monologues in her works through biographical reminiscences.

Her painting is insecure, melancholy, unhappy and even sorrowful. Slaughter scene, beast saunter by. The scene is not to drain energy out of the audience, but it seems to express being conscious of the current situation. The precariousness and gloomy message of recognizing the current situation is just a device to stimulate the mental trigger by breaking up the visual argument.

Deliberately slow gesture, metaphorical message through sensibility and expressive strokes make the sensitivity and intuition the essence of the painting.

Sometimes to peek at the gap in the inner side of human, the inner world of mankind as vague premonition or meaning of insecurity and gloominess and irrationality of reality is illustrated as if it is shown through microscope.

As seen in 'Violator' and 'the Milky way', the shadow of death from animal is a sad portrait of the selfish and hypocritical mankind who killed cows, raised to secure food, to prevent foot-and-mouth disease. As if to predict the death in the future for all the living creature in the polluted ecology, the trend of taking animal life lightly is common under the guise of benefit for the human life and the animal cruelty committed for the benefit of the mankind show various problems innate in contemporary civilized society.

As can be seen from 'The Son' and 'Untitled', such phenomenon is expressed sometimes as self-torture, solitude, dejection and failure and sometimes as hope and belief to overcome the burden and circumstances as can be seen in 'Sterilized the Moon' and 'Grand son'

All that is shown in these paintings are reconstructed in subjective view of “I”, the painter, and it is objectifying the painter herself, as if looking at herself through others, and confessing about herself.

Likewise, she is always aware of drawings like the musician who incessantly writes and plays the music. In addition, as the process is more important than the result, always leaving instant sense and thought and making spontaneous and unfinished state rather than detailed depiction shows self-consciousness and identity of the painter.

Her works start far from traditional oil painting techniques. She maximizes the voluntary brush strokes and coincidental phenomenon and honestly demonstrates instinctual expressions

There are almost no unnecessary elements or materials to explain the work. The first goal of these pieces is to secure the symbolism through shapes and expression along with the feeling of narration. Therefore, the approach to finishing the painting is fresh. Most artists think of finishing the painting as filling up the canvas or neatly completing the work, but for Loc hyun Lee, working and finishing is based on her instincts. In other words, the artist is not controlled by the drawing, but rather leads it which effects positively.

Thus, it does not stop at the level of what is commonly known as painting, but raises the important question of what a painting is and what it should be along with jumble of concerns for “genuineness” of the painting and spiritual energy.

The double code read from most paintings is mixture of the reality and unreality and the conscious world beyond time and space along with conscious world established from reasons and thoughts or observation and instinct.

Through her work, the artist confidently and honestly illustrates her thoughts on dualism such as double-sidedness of mankind, good and evil and reality and ideal and adjusts to the stages in painting while growing self-consolations and anxiety. Likewise, she is interested in following the self-conscious and the realistic conditions of it and the true nature of individual conscious on the situation.

3.

Loc hyun Lee’s paintings heavily weighs down the unbearable lightness of being and demonstrates that heaviness lightly without any density. Wild animals in the field, slaughter of cows, array of deformed hoof in 'pas' symbolizing isolated development in 'Swan lake', desire to get away from civilized remnant. The meanings of such images should be considered. The preciousness of life or the importance of environment and the thundering voice at violence under the name of human desire overlap and linger in mind for a long time.

Her works encompassing current issues, such as bioethics, post-colonialism, consumerism, constant development, has calm but strong topic for contemporaries in this capitalistic and materialistic world.

그림에 대한 진정성과 인식의 실체

김선태 (미술평론가)

1.

너무도 상식적인 얘기지만 예술은 주체의 정체성이라는 이상을 향한 인간의 소망에 다름 아니다. 자기 정체성을 부단히 추구하는 것만이 좋은 예술의 세계로 올바른 삶의 길로 이끌어 줄 수 있기 때문이다.

이록현은 작품을 통해 정체성을 솔직하게 보여주고자 하는데 망설이거나 주저함이 없다.

그림그리기의 본질적 의문을 던지는 그의 화면은 밀도나 치밀한 조형적 요소에는 애당초

관심이 없다. 줄거리를 에둘러 표현하고 미화시키려는 의도와는 정반대로 심층 내부에 켜켜이 쌓인 평소 생각을 날것으로 토해 내기 때문에 그의 작품 읽기는 이미지 연상을 통한 퍼즐 맞추기에서 출발하는 것과 같은 호기심을 유발한다.

기법적인 측면에서도 유화지만 테레빈을 가득 혼합한 담채화 같은 붓질로 즉물적인 성향을 보여주는가 하면, 때로는 지극히 개인적인 일상과 비일상적인 공간을 담는다. 현실공간에서 취재된 일상적인 풍경과 거기에서 일어나는 개인적인 체험 등을 교직하여 단순한 시각적인 이해를 뛰어넘는 비일상적인 공간을 동시에 열어 보인다.

때로는 사실적으로 혹은 초현실적 양식과 기법을 통하여 작가 자신이 보는 세상을 통하여 인간내면의 심리적 갈등을 집중적으로 탐구하는데, 이는 인간이 살아가면서 일어날 수 있는 갈등과 고뇌, 이상과 현실의 괴리, 삶의 굴레, 욕구의 분출, 고독과 좌절 등 이 모든 현상세계를 검증하고 확인하는 그런 작업들이다.

2.

이록현은 대단히 민감한 감성과 복잡한 사유의 얼개를 지닌 예술가로서 존재의 욕망을

지닌 채 그림이 자전적 회상을 띠고 주어진 현실의 틀 속에서 당당한 독백을 그림 속에 풀어 헤친다.

그의 그림은 불안하고 우울하며 유쾌하지 못하고 슬프기까지 하다. 도살장면, 어슬렁거리는 야수의 동작, 이는 단순히 감상자들을 핍진하게 만들기 보다는 오늘날 상황의식을 그림을 통해 도출해 내기 위한 것으로 보인다. 이때의 상황의식의 위태로움과 우울한 메시지는

시각적 담론의 해체를 통해 심리적 자극을 유발하고자 하는 장치에 불과하다.

의도적인 어눌한 제스처, 감성에 의한 은유적인 메시지, 표현적인 붓질, 그래서 감성이나

직관이 본질이 되는 그림이라고 볼 수 있을 것 같다.

때로는 인간의 내면적 틈새를 엿보기 위해, 마치 접사 렌즈를 들이대고 현미경으로 접근하여 보듯이 인간의 내면세계의 드러냄과 동시에 현실너머에 있는 모호한 예감이나 불안의

의미와 현실의 우울함과 부조리를 보여준다.

[위반자], [은하수]에서 보듯이, 동물을 통한 죽음의 그림자에서 식량을 해결하고자 목축했던 젖소를 구제역 예방 차원에서 미리 살육해버리는 인간의 이기심과 이중적 태도는 인간의 우울한 자화상이기도하다. 오염된 생태 조건 속에서 살고 있는 생명체의 모든 것들이 맞이해야 할 미래의 죽음을 예견이라도 하듯이, 인간의 생명을 위한 것이라는 미명 아래 생명을 경시하는 풍토와 인간의 이익을 위하여 자행하는 동물 학대는 아랑곳하지 않는 폭력성에서 현대 문명사회가 당면한 많은 문제를 복합적으로 제시하고 있다.

이러한 현상은 [아들], [무제]에서 보듯이 때론 자학과 고독, 실의와 좌절로 표현되기도 하고, 때로는 이러한 굴레와 환경을 극복하고 벗어나고 싶은 희망과 신념을 [달 소독], [Grand son]을 통해 보여준다.

이들 작품에 그려진 모든 것은 작가인 ‘나’의 주체적인 시각 속에 재구성되며 타자를 통해 자신을 관조하듯이, 그것은 작가 자신에 대한 대상화이며 자전적인 고백이기도 하다.

이처럼 그는 쉼 없이 글을 쓰듯이 음악가가 끊임없이 작곡을 하고 연주하듯이 언제나 그린다는 의식 속에 머물러 있음을 보여 준다. 또한 결과보다는 과정이 중요하듯이 구체적인 묘사보다는 즉흥적이고 미완의 상태로 남겨두어 언제나 순간적인 감각과 상념을 그대로 방치하여, 이를 통해 작가 본인의 자의식과 정체성을 형성하는 수단으로 삼고자한다.

그의 작품은 전통적인 유화기법과는 거리가 먼데서 오히려 그린다는 것 자체와 그 순간 자발적인 붓질과 우연적 현상을 최대한 이용한다든가 아니면 원초적인 표현충동에 솔직하게 조응한다든가 하는 점이 두드러져 보인다.

작품을 설명하기 위한 군더더기 요소와 소재나 장치들이 거의 드러나지는 않지만, 서술적으로 읽혀진다는 느낌과 함께 형상과 표현에 의한 상징성의 확보가 일차적인 목표로 작용한다. 그래서 그림의 완성에 대한 관점도 나름대로 신선하다. 대부분 작가들은 그림의 완성이라는 것이 화면을 빈틈없이 메우거나 깔끔하게 끝마무리가 하는 것으로 인식하고 있는 반면 이록현은 자신이 손을 대고 싶은 것과 멈추는 것을 순전히 자신의 기분에 의해 처리한다. 다시 말하면 화면에 작가가 끌려가는 것이 아니라 나름대로 자신이 화면을 리드해 간다는 자세를 견지하는 것으로 이는 상당히 긍정적인 면으로 작용한다.

그러다보니 우리가 일반적으로 알고 있는 회화의 수준에 머무는 것이 아니라, 오늘날 회화와 그린다는 것이 무엇이며 그 그림이 무엇이어야 하는가 하는 매우 중요한 물음과 함께 그림에 대한 '진정성'에 대한 고민과 정신적 에너지가 혼효(混淆)된 채 보여주고 있다.

대부분 그림에서 읽혀지는 이중적 코드는 현실과 비현실의 혼성과 시간과 공간을 초월하는 의식의 세계와 더불어 사유와 사색 또는 관조와 직관에 의해 성립되는 의식의 세계이다.

이와 같이 작품을 통해 작가는 인간의 양면성, 선과 악, 현실과 이상 등 이원론적인 상태를 증거하고 싶었던 것을 솔직하고 당당하게 자기 선에서 고민하면서 그려내고 어느 정도 자기 위안과 불안을 증폭시키면서 응고되는 그림의 단계를 순응해내는 데서 이루어지는 것 같다. 이렇듯 그의 관심사는 자의식과 그에 상응하는 현실적인 조건 및 상황에 대한 개인적인 인식의 실체를 추적하는데 모아진다.

3.

이록현의 그림은 참을 수 없는 존재의 가벼움처럼 우리를 무겁게 짓누르기도 하고 그 무거움이 질량감 없이 가볍게 우리의 시선과 부딪히기도 한다. 들판을 배회하는 야생동물, 젖소의 도살, 변형된 발굽의 나열을 보여 준 [pas], 고립된 개발지를 상징하는 [swan lake], 문명의 잔해에서 탈출하고픈 작은 욕망, 이런 이미지들이 말하고자 하는 것은 과연 무엇인가. 생명의 귀중함 또는 환경의 중요성, 아니면 인간의 욕망에 의해 자행되는 폭력에 대한 일갈 등 이 모든 것들이 뇌리에 오버랩 되어 오래도록 머문다.

필자는 그의 작품에서 생명윤리와 포스트식민주의, 소비지상주의, 개발지상주의 등 시의적 문제들을 두루 훑은 이번 작품이 자본주의와 물질만능주의가 판을 치는 오늘날 현대인들에게 주는 메시지의 여운이 조용하면서도 강인한 화두가 묵묵히 꽂혀 있음을 보게 된다.

ARTIST CV

ARTIST NOTE

A Fish Floating from the Depths toward the Surface

On a finished canvas you will see a fish floating up to the surface as if roaring to the world with its mouth wide open and its teeth so rough.  Its spreads its fin and tail with thorns as sharp and deadly as nails.  It is unsure why the fish portrayed in my work has such rough appearance. Some may say, “Considering how a painting is a portrayal of self maybe the artist’s psychological or mental state is expressed as a venomous fish?”.  I can neither agree or deny. Although I cannot say for certain, perhaps, the fish manifests my desire within the unconscious wanting to surface.  And the fish seemingly still on canvas is desperately emerging toward the surface.  Its movement rather than being limited to the screen of the canvas, tries jump out of it as it stares sharply toward the outside world.

The work process I feel is getting simpler.  The recent work, Autism, had the fish trapped in an hourglass.  Rather than to include unnecessary figures such as an hourglass the fish in front of a dark background takes up the entire canvas.  If the previous work was more an unconscious defensive instinct the current work is for seeking freedom from the dominating conscious. However, still wandering around the border in between the depth of the subconscious and surface of the conscious.

ARTIST REVIEW

ARTIST CV

ARTIST NOTE

There cannot be a visible result without shown progress. The pottery of mine molded with a brush contains all that is of my life. In essence the porcelain pottery is a kind of a self-portrait.  It is a container which holds my heart and mind. It is a great listener of my life story which I am grateful for. 

The cracks and crevices on its surface are like the lines on the palm of my hands. It takes me a great deal of thought and care when I carve in the pattern on the pottery. An artist must never waver. However, when I carve or cut out the patterns there are times when I am not entirely certain. For my pottery contains the life stories of others as well. I must have clear-cut answers to all the consults and questions.  That is how you can be assertive.

Dalhangari is my latest and immersed subject. A simple yet concise design of Dalhangari leaves no room for my greed to embellish. When such greed takes place Dalhangari becomes something unnatural. My work consists of treating and layering Korean papers onto a canvas as a potter would spin his wheel to mold a pottery. 

Then is painted and drawn in still-life motif to portray realism. If you look carefully, you will see that it has been erased then reworked in a repeated manner which can be regarded as, somewhat, elementary.

However, this is a technique of mine to portray the beauty from purity and simplicity which is harnessed by the actual Dalhangari. Engrafting the Korean paper is to emphasize such elements. A rough image seeming like an unglazed pottery, multiples representation of white and the delicate and natural cracks show a pottery floating in the middle of canvas.

The use of Korean paper to show the tradition and history of Korean culture in combination of the oil paints representing a more modern approach is my interpretation of harmony with East and West.

과정없이 결과만이 작품으로 드러날 수 없다. 붓으로 빚는 나의 자기는 내 삶의 모두를 담고 있다. 자기는 자화상이기도 하다. 자기는 나의 마음 그릇이다. 자기는 내 삶을 묵묵히 들어주는 고마운 상대이다. 자기가 드러낸 수많은 균열은 손에 그어진 손금처럼 내 삶의 경험을 비춘다.

나는 도자기의 문양을 그을 때마다 많은 고민을 한다. 작가는 흔들림이 없어야 한다. 그러나 자기에 조각 칼로 새기거나 칼로 도려내어 문양을 표현할 때마다 나는 선을 단호히 선택 못할 때가 있다. 나의 자기는 사람들 각자의 삶도 담는 자기이기 때문이다. 자문과 사람들의 질문에 명쾌한 답을 가지고 칼을 들어야 한다. 그래야 단호해진다.

요즘 내가 몰입하는 자기는 달 항아리이다. 간결한 달 항아리의 자태는 나의 욕심을 허용하지 않는다. 욕심이 과하면 달 항아리가 아닌 부자연스런 무엇이 된다.

나의 작업은 도자기를 빚는 마음으로 캔버스 천에 한지를 배접하고 다시 그 위에 사실적인 형상으로 도자기를 묘사한다. 자세히 들여다보면 도자기를 그리고 다시 지우고, 또 그리기를 반복하는데, 이러한 과정들은 얼핏 보면 이미지가 단순해 보인다.

그러나 이는 백자의 순수함과 소박함 속에서 우러나는 깊은 감칠 맛과 동일함을 갖기 위해서이다. 한지와의 접목은 백색을 표현하는데 더욱 힘을 가미하기 위해서이다. 질그릇 같은 투박함과 여러 가지 색의 조합으로 만든 백색의 느낌과 그 속에 섬세하고 자연스러운 크랙(crack)들은 그려진 백자가 아니라, 화폭위에 부양해 있는 것처럼 보인다.

한지를 이용하여 배어나오는 한국적인 맛을 서양의 것인 오일 페인팅을 사용하여 전통적인 것을 현대적인 것으로 표현하고, 동양의 것과 서양의 것을 조화롭게 재해석하고자 하였다.

ARTIST REVIEW

ARTIST CV

ARTIST INTERVIEW

“People dream about many things in their lives, but not all dreams can be an artistic subject. In my artwork, dreams being an artistic subject, which is a motif are different from the ones that run after secular desires.

Of course, there are so many worldly dreams but, actually, these dreams are not real. Like we don’t know about the reason of our being, there is a dream without knowing the reason why we dream about.

When we know about why we had the dream, mostly it turns out that it was unreal. So, something that flows without a reason, whether we don’t know what it is, a dream without a reason has a characteristic of mystery running from an undefined source.”

“우리가 세상을 살면서 많은 꿈을 꾸는데, 모든 꿈이 다 예술적 대상이 되는 건 아니야. 내 작업에 어떤 예술적 대상, 모티브가 되는 꿈은 세속적인 욕망을 찾는 꿈과는 달라. 물론 그런 꿈들이 많지만, 사실 그런 꿈들은 가짜 꿈이다. 내가 왜 존재해야 하는가에 대한 이유를 모르는 것처럼 우리가 이유를 모르고 꾸는 꿈이 있다. 이유를 아는 꿈이 있고 이유를 모르는 꿈이 있는데, 이유를 아는 꿈은 가짜 꿈인 경우가 많아. 그런데 원인없이 뭔가 흐르는 듯한, 뭔지는 모르지만, 그러니까 이유를 모르는 꿈은 그 어떤 근원에서 흘러나오는 신비성을 가지고 있는거지.

인간이 존재하기 때문에, 신이 되었든, 자연이 되었든, 타자가 되었든, 내 존재 바깥에 있는 어떤 존재와의 교감, 한마디로 하자면 만나는 거지. 신호가 오고 가는 거. 우리가 마치 외계인의 실체를 알기 위해서 우주에다가 전파를 쏴대는 것과 같아. ‘헬로~ 여기는 지구, 거기 아무도 없어요? 누구 있으면 대답해줘요.’ 이거거든. 그치만 응답이 없지. 잡음만 있지. 반대로, 내가 호출하지 않았는데 응답이 온거야. 내가 ‘헬로’ 하고 발신하지 않았는데 오는 것, 이게 꿈인거지.

그리고 아까 말한 예술적 대상인 나의 모티브는 그 꿈의 형태로 오는 데, 그게 신비성을 가지고 있는 꿈이라는 거지. 발신자를 알 수가 없어. 그건 꽃이 될 수도 있고, 말이 될 수도 있고, 코끼리가 될 수도 있고, 많지. 하지만 나는 이 말의 이미지에서 그러한 어떤 느낌을 갖는거지. 신비주의 철학자들이 말하는 존재 자체의 신비성. 그게 들어나는 방식은 그 때 그 때 다르고 우리가 알고 있는 어떤 논리적인 형식이 아니야. 바깥에 있다고 해. 논리적인 형식이 바깥에 있다는 건 다 꿈의 형식이거든. 그 중에서도 작가인 내가 볼 때 신비함을 느끼게 해주는 어떤 것, 그 걸 끌어낼 수 있는 이미지를 나는 말의 포즈에서 느낀다는 거야.”

ARTIST CV

ARTIST NOTE

The Change of My Work

My Work sets up pillows as the main motif. The shape of pillows means dreaming comfortable rest and tomorrow’s hope, sharing a love with each other leaned against, and recharging energy.

Now, such shape of pillows has been transformed into the long oval shape of Jukbuin(Dutch wife). This shape originates from the shape of Wish Jukbuin on which the wish papers used as performance art materials are fully hung.

After such form of Jukbuin was expressed simply in the form of initials, recently such form is expressed in the form of stroke drawing work combining the letters of the 12 Zodiacs, because such stroke drawing technique expresses the flow of time like a diary without painting over to resemble the shape of pillows containing the records of life like a time capsule. Again, this stroke work is also developed in parallel with the form of calligraphy carving (wood carving) and the casting technique printing the calligraphy carving on Hanji (Korean paper). This work will present another direction of experimental expression method.

나의 작업은 베개를 주 모티브로 삼고 있다.

평온한 안식과 내일의 희망을 꿈꾸며 서로에게 기대어 사랑을 나누고 에너지를 재충전하는 베개의 모습이 지금은 긴 타원형 모습의 죽부인의 모습으로 변화되어 왔다. 이는 퍼포먼스 소품으로 사용하는 소원지가 가득 매달린 소망 죽부인의 모습에서 기인 된 것이다.

그러한 죽부인의 형태는 단순하게 이니셜 형식을 띄다가 근래 들어 12지의 글자들이 조합된 획(劃) 드로잉 작업 형태로 표현되고 있는데, 그것은 덧그리지 않고 시간의 흐름을 일기처럼 표현해 내는 드로잉 기법이 삶의 기록들을 타임켑슐처럼 담고 있는 베개의 모습과 닮아 있기 때문이다. 이러한 획 작업들은 다시 서각(판각)의 형식과 그것을 한지로 찍어내는 캐스팅 기법과 병행된 작업으로 전개되고 있다. 이번 작업은 실험적 표현 방식의 또 다른 방향을 제시해 줄 것이다.

ARTIST REVIEW

ARTIST CV

ARTIST STATEMENT (Excerpt)

I intended to have the viewer feel familiar with dried pollack, which is very common in our daily lives by implementing realistic depiction and put flowers to symbolize an array of aspirations in the form of a dried pollack as a decoration. Furthermore, I tried to deliver the shamanistic meaning of the objet, ‘Dried Pollack Wrapped with White Silk Thread.’

Minhwa has a feature that enables aspirations such as perpetual youth and long life in addition to wealth and prosperity of descendants including culture and sociality of the time to be transformed into an art through the public eye. I think that a dried pollack could be a good source of artwork because it implies a variety of symbolic perspectives.

Our ancestors believed that good vision of dried pollack and its open mouth could expel calamity of the world as protection of individual well-being. Additionally in the folk beliefs, dried pollack is regarded as a medium to connect human and god thus it was used in traditional ritual formalities. Especially, when dried pollack was used for these kinds of rituals, white silk thread always comes with it. White silk thread also has a meaning of long life and is used for sacrificial offering during these rituals.

In my artwork, however, the silk thread becomes the means as an ability to show many different forms of work with its own meaning of sacrifice. I believe that a picture of dried Pollack can expand the concept of its art form from painting to a decorative art or a 3-D art when it is displayed with silk thread wrapped. Moreover, by breaking the stereotype that paintings are hung “on the wall” I wanted to suggest a new paradigm that paintings can be suspended “from the ceiling.”

<북어> 시리즈에서 나는 일상생활에서 흔히 접할 수 있는 북어를 사실적으로 표현하여 보는 이로 하여금 친숙함을 느끼게 하려 의도했고, 그 안에 다양한 염원을 상징하는 꽃들을 넣어 장식하였으며, ‘명주실 감은 북어’라는 오브제가 가지고 있던 주술적인 의미까지 전달하려 했다.

민화는 불로장생, 부귀영화, 자손 번성 등과 같은 염원이나 당시의 문화와 사회성을 민중의 눈을 통하여 예술로 승화시켜준다는 특징이 있다. 이러한 측면에서 나는 다양한 상징성을 내포하고 있는 북어가 현대 민화에서도 좋은 소재거리가 된다고 생각한다.

선조들은 북어의 밝은 눈과 벌어진 입이 인간세상의 재액을 소멸시켜 주며, 개인의 안녕을 지켜준다 믿었다. 또 민간신앙에서는 북어를 신과 인간을 연결시켜주는 매개물로 여겨 각종 제례, 고사, 관혼상제에 사용하고 있다.

북어가 이러한 의미로 사용될 때는 늘 명주실(실타래)과 함께 한다. 실타래 또한 각종 의례와 집안의 고사 등에 수명장수를 축원하는 의미로 사용되거나 신령에게 바치는 제물로 사용된다. 그러나 내 작품 속에서 실타래는 기존의 제물이라는 의미와 함께 작품의 형태를 다양하게 볼 수 있게 해주는 도구가 된다. 북어를 그린 그림은 회화라는 단편적인 양상을 띨 수 있지만, 북어그림과 실타래가 함께 함으로써 회화를 넘어 장식미술, 나아가 조각으로도 확장될 수 있다고 생각한다. 또 그림은 벽에 “거는 것”이라는 고정관념을 깨고, “매달 수도 있는 것”이라는 새로운 패러다임을 제시하고 싶었다.

ARTIST STATEMENT (Full Version)

ARTIST CV

EXCERPT FROM EXHIBITION PROLOGUE

Spring as a season is a process of awakening, out of deep slumber and it is a sign of life after a lasting winter. In such framework spring has significant resemblance to the condition of the artists who is emerging out of long slumber as she sits in front of the canvas. Chung found inspiration from a spring sun soaked maidenhair tree she stumbled upon, and sat in front of canvas with images of spring leaves and shimmering glow of life. Canvas was then filled with harmony of brush strokes and random effects from dripping technique.

봄이라는 계절은 깊은 잠에서 깨어나는 자연에게 있어 소생의 시간이요, 기나긴 겨울 뒤에 오는 생명의 신호이다. 이런 점에 있어 봄은, 긴 휴지기를 거쳐 다시 작업에 몰두하는 작가의 상태와 깊이 결부되어 있는 특별한 계절이다. 어느 봄날 문득 그의 시선에 들어 온 햇살을 가득 품은 은행나무 한그루를 바라보며 여린 잎들과 밝은 빛을 내뿜는 생명의 신호를 핑계 삼아 현재의 작업으로 이어가고 있다는 작가는, 드리핑으로 만들어내는 우연적인 효과와 붓질의 조화를 빈 공간에 풀어내었다. 필자가 함께 준비했던 2014년 <치유의 공간> 전시에서 정수경의 작업은 색채와 형태의 조화를 부드럽게 품고 있었다. 긴 휴식에서 깨어나 열정적으로 작업에 몰두하던 지난 봄, 세월호는 그에게 또 다른 상흔을 남기고 말았지만, 이조차 그의 붓을 다시 멈추게 하지는 못했다. 화사하고 부드러운 색채와 드리핑된 물감이라는 둥근 물질의 확산된 흔적은 작가 자신은 물론이요 타자의 마음까지 보듬어 주는 손길을 내밀며 치유의 메시지를 보내고 있었다. <색色; 계季>라는 주제로 가진 가을의 전시에서는, 색채의 화려함은 물론 결실의 풍성함마저 드러내 보여주며 새로운 작업으로 이어질 신호를 간직하고 있었기에 활발한 전시로 이어지는 작가의 다음 작업을 기대하게 해 주었다.

EXHIBITION PROLOGUE

ARTIST CV

ARTIST INTERVIEW

“I was born in Kyoto, Japan in 1949. I have begun to study fine art since I was four years old. My parents were both junior high school teachers and they loved art and English. After I graduated from two Universities, I have traveled Nepal ,Tibet and started to paint unique paintings being influenced by the experiences there. My art works hold universal and spiritual values within their culture. I also have traveled Thai and India where this experience has affected my values in life. After coming back from the travels, I settled down to live in Yoshino, Nara where I lived self-sufficiently while focusing on my paintings and I have been actively participating in international art fairs. My artworks are exhibited in not only Japan, but also in France, U.S.A. Nepal, Argentine and Taiwan. I moved to Osaka in 2000 and I came to be interested in contemporary art. I think that U.S is the country where I have participated in the international art fairs most frequently so far.”

ARTIST CV

ARTIST PROLOGUE (Excerpt)

‘City Oasis’ stands for a shelter in the modern society. Comfort and secured feelings are essential when most of us confront difficult situations in everyday lives. My work, the cacti and succulents made of leather can contribute in one of these ways to find that peace of mind, something that triggers you to imagine that you are suddenly shifted to somewhere in the middle of a peaceful desert. And the beautiful scenery of an oasis unfolds before your eyes.

The leather cacti adorned with crystals show my background. I have designed and made leather goods such as handbags and wallets since I launched the handbag line. I wanted to expand my boundary of work into art while making leather goods and giving leather craft classes. Ultimately, I am, in essence, making the most of the medium which I am very comfortable with.

Making stuffed cactus plants might be considered as a simple representation of nature. By mimicking and reinterpreting the nature, however, I embrace the way of self-healing that the nature always provides and try to give motivation to audience to enjoy a therapeutic lifestyle.

ARTIST PROLOGUE (Full Version)

ARTIST CV

ARTIST NOTE

Fulfilling of the Self

The work process subjected to modern people began with the foundation of those people’s life segment showing the happiness or sadness felt throughout life.  During this process I have attempted both emptying and the filling of the mind.  As such I have come to a realization that as I emptied there remained an unexplainable void and filling only made life even more complicated for the modern people.

There is no limit to a human desire, as such, a continued feelings of void is present even after relentlessly trying to ‘fill’ one self.

So the question remains, “How shall one live?”

What is the true meaning of life? 

The modern day society consists of intensely complex structure.  And those modern people within the structure live on filled with agony and solitude.  As to truly fulfill you must first learn to empty.

A true success in one’s life does not lie in worldly possessions, yet in seeking and conducting happiness.  Without an open mind it is impossible to accept.  It can be stated that it is not about emptying to fill, but rather the process of emptying itself will cause to fill.  The process of emptying starts with the sound realization that there will be more wanting even when you have more. 

Thus far, the subject of ‘Emptying and Fulfilling’ describes best of my work and within it also tells yet another story. These words not only adequately describe my work, it may also be telling a story of a life I have not had a chance to experience due to not having chosen such a way. However, as I unravel, an agonizing realization comes as a conclusion that it is not different from my present self.

ARTIST CV

ARTIST NOTE

Stories of Daily Routine

My artwork is a story of a “daily routine”. I pay attention to the interactions in between the daily routine whether it being a physical space or within the flow of one’s conscience in an attentive manner. The artwork is formed of basic shapes of a square, ‘Cell’ which acts as a basis and the individual cells represent each moment of a daily routine. A person, object and space in the scene expand the meaning of a daily life by interacting with shapes of accumulated cells. It continuously repeats to gather together like our daily lives and the repetitive actions create a space then the object in the frame. These cells contain all of the moments of time, space and conscience then communicate within the different aspects. By using the square cell method this work shows the flow of a character’s awareness and conscience through time and space.

일상의 이야기들..

작품은 ‘일상’에 관한 이야기들입니다. 일상속의 모습들이 매일 되풀이 되는 생활공간이나 의식의 흐름 사이에서 어떤 미묘한 작용을 하는지에 주목하고 있습니다. 작품은 사각형 셀을 기본으로 형상을 이루고 있으며 셀은 일상에서 순간이라는 의미를 담고 있습니다. 일상 속 인물이나 사물, 공간들은 사각형의 셀(Cell)이 가장 기본적인 단위가 되어 상호작용하여 일상의 의미를 확장 시키고 셀은 끊임없이 반복되는 일상처럼 순간의 셀들이 반복 축적 됨으로서 공간을 형성하고 인물을 이루어냅니다. 이러한 셀들은 시간과 공간과 의식의 순간을 지니고 있으며, 그 안에서 다양한 측면들과 맞닥뜨려 소통하게 됩니다. 이렇게 사각 셀이라는 방식을 통하여 시간과 또 다른 공간 속에서 캐릭터의 내면에 대한 이야기를 하고 있습니다.

일상에 대한 이야기들은 현재의 시점이 주가 되지만 때때로 과거의 예전 어느 날의 시간으로 돌아가기도 합니다. 과거와 현재 그로 인한 미래..이러한 모습들이 한 공간에서 다른 느낌을 가지게 하는 시도들입니다. 그러함들은 ‘궁’이라는 매체를 통해서 표현 되고 있습니다.

3년전 화사한 봄날에 우연한 기회에 가 보았던 수원화성행궁에서 행궁의 일상이 주던 아름다움은 우리나라의 궁에 대한 관심으로 이어졌고 캔버스 위에서 구체화 되었습니다.

웅장하면서 화려했던 봄과 어우러진 행궁의 모습은 작업의 또 다른 시발점이 되었습니다.

궁에 대한 연구는 과거의 일상이 지금 현재의 일상과 조우하는 장면을 여러 자료들을 통해서 자신만의 방식으로 셀을 통해서 서두르지 않고 구현해 나갈 것입니다.

ARTIST CV

ARTIST INTERVIEW

“Towoo(土偶) originally stands for dolls made of clay. It is collectively known as forms of ceramics, which are modeled by diverse objects like sculptured figures, animals and even living tools. For the ancient civilizations, the articles had played roles in a shamanistic purpose of grave goods as well as tomb guardians circled around the tumulus. When they have come across the modern times, they have become specialized in decorative artworks. To be more specific, one of the art genres is Towoo, which can be characterized with both ceramics and sculpture.”

The tigers I make would never be scary objects. They have resemblances with the folksy and humorous visage of Koreans. When you see the tigers in traditional Korean folk painting, Hojakdo (A tiger and a magpie painting, 虎鵲圖), their facial expressions are very funny and naïve yet they seem to pretend serious with exaggerated big eyes slowly winking. In Korean folktales, tigers used to be described as a dopey being that causes laughter rather than harm. The reason why I chose the tigers as a motif for my work is that I believe joys and sorrows of life and temperament of our people who have lived surrounded by barren mountains in their whole lives are thoroughly reflected on tiger sculptures.”

ARTIST CV

ARTIST NOTE

I usually get inspired by the form and color of nature. I am currently working on the realization of three-dimensional spatiality after getting out of the planarity of fiber material. On top of the thread which is a basic material of fiber, I explore the mulberry fiber which is a raw material of cord, wire mesh, and Hanji(Korean traditional paper), and present the works in various sizes.

The theme of these days is ‘DECOMPOSITION_RESTRUCTURE’. Through the process of decomposing and restructuring the materials previously used, I expressed it into three different methods. First, after cutting and decomposing the plain fabric wire mesh structure into units, they were formatively restructured by using a sewing machine. In this process, the regular and repetitive solid pattern was created. Second, this work is to expand the round relievo shape by untying a cord and then spirally setting it. The material ‘thread’ itself is independently handled rather than the method of ending up with traditional fabric based on the structure of warp and weft. Freely moving back and forth between oppositive properties such as transparency and opacity, and variability and fixedness, I gently, but powerfully represent the image into plane and solid. Third, when the paper mulberry material is boiled, crushed, and decomposed, the original form and vitality extinct. Through the process of gathering and restructuring the particles into a new organic form, the vitality is given to this again. The paper mulberry goes through the process of changing the stem into the state of pulp, making a form by enjoying the organic touch and texture, drying it, and then painting it. Even though those works have all different formativeness and show all different morphological expressions, each work has the same context in the aspect of representing such charming colors felt from nature within the common theme of ‘DECOMPOSITION_RESTRUCTURE’, and also studying the properties and representability of materials from the most primitive state.

The motif of circle which is mostly represented in every work is the most stable of the figures in various forms. In the formative aspect, a circle has a dynamic form with infinite movements and homeostasis of rotation, and also has a static form without a specific direction. Overall, a circle not only has a complete form geometrically, but also has the dynamic power, so it realizes the static and dynamic images at the same time. On top of its formative characteristics, a circle implies various symbolic characteristics. From old times, it has been sacred based on its symbolism as the origin of life and everything. In the morphological aspect, it means the continuous eternity without beginning or end. As the origin of the universe and the driving force of life, it is symbolizing the spiritual world of human. In the oriental thought, the nature is circulating through the endless creation and repetitive extinction. The motif of a circle containing the meanings like positiveness, eternity, fertility, worship, and holiness is shown in the overall work. Within the action of working on the representation of various formative elements, I feel purified and happy. I hope to have a moment to joyfully communicate with many people through my formative language.

-Written by the artist on November 2021

주로 자연의 형태와 색상으로부터 작업의 영감을 받는다. 섬유 소재의 평면성에서 벗어나 삼차원의 공간성을 구현하는 작업을 하고 있다. 섬유의 원초적인 소재인 실을 비롯하여 노끈이나 철망 한지의 원료인 닥 섬유 등을 탐구하고, 다양한 규모의 작업들을 선보인다.

요즘 작업의 주제는 ‘해체_재구성하다’ 이다. 기존에 사용하던 소재들을 이용하여 해체하고 재구성하는 과정을 통해 세 가지 방식으로 표현하였다. 첫 번째는 평직 조직인 철망구조를 유닛으로 잘라 해체한 후 다시 재봉틀 작업을 통해 조형적으로 재구성하는 작업으로 규칙적이고 반복적인 입체 패턴을 만들었다. 두 번째는 노끈을 풀어 나선형으로 박아 원형의 부조 형태를 확장하는 작업이다. ‘실’이라는 소재를 씨실, 날실 구조로 전통적인 직물에 귀결되는 방식이 아닌 ‘실’ 그 자체를 독립적으로 다루고 있다. 실을 사용하여 투명성과 불투명성, 가변성과 고정성 등의 대립적 물성 사이를 자유롭게 오가며 작업하면서 부드럽지만 강하게 평면과 입체로 이미지를 형상화하는 작업을 한다. 세 번째는 닥나무 소재를 끓이고 빻아서 해체한 후 모두 분해되어 본래의 형태와 생명성이 소멸되었다가 입자들을 건져 모아 재구성하여 유기적인 새로운 형태로 다시 생명성을 부여한다는 의미의 작업이다. 한국적 정서가 담겨있는 닥 섬유(한지의 원료)나 금박기법 등으로 현대적인 조형물을 만들어 선보인다. 전통적인 기법과 현대적인 조형 작업, 정형의 형태와 비정형의 구조, 자연의 재료와 인공의 안료 등을 대비시키며 다채로운 요소를 표현하려고 시도한다. 닥나무 작업은 줄기를 펼프의 상태로 만든 뒤, 유기적인 촉감과 질감을 즐기며 형태를 만들고 건조한 다음 도색 과정을 거치는 작업이다. 다양한 소재의 작업들은 모두 사뭇 다른 조형성을 지니고 있고, 모두 다른 방식의 형태적 표현이지만, 각각의 작품들은 ‘해체와 재구성’이라는 공통적인 주제 안에서 자연에서 느껴지는 매력적인 색상들을 머금고 표현되며, 재료를 가장 원초적인 상태로부터 그 성질과 표현 가능성을 연구한다는 점에서 같은 맥락을 이룬다.

모든 작업에 주로 표현되는 원의 모티브는 면을 이루는 다양한 형태의 도형 중에서 가장 안정적이다. 조형적으로 보면 원은 무한한 움직임과 회전의 항상성을 지닌 동적 형태인 동시에 특정한 방향을 갖지 않는 정적인 형태이기도 하다. 종합적으로 보면 원은 기하학적으로 완전한 형태이지만 역동감도 가지고 있어 정적인 이미지와 동적인 이미지를 동시에 구현하고 있다. 원은 조형적 특성과 함께 다양한 상징성을 내포하고 있다. 예로부터 생명과 만물의 근원이라는 상징성을 가지고 신성시되어왔고 형태적으로도 시작도 끝도 없는 연속의 영원성을 나타내기도 하며 우주의 근원이며 생명의 원동력으로서 인간의 정신세계를 상징하고 있다. 동양의 사상에서의 자연을 바라보는 견해는 끊임없는 생성, 소멸의 반복이 순환된다고 말한다. 긍정, 영원성이 밖에도 풍요, 숭배 거룩함 등의 의미를 담은 원의 모티브는 전반적인 작업 안에서 보여진다. 다양한 조형적인 요소들을 표현하는 가운데 작업하는 행위 안에서 나 자신이 정화되고 행복감을 느끼며, 나의 조형 언어를 통해 많은 사람들과 즐거운 소통의 시간이 만들어지기를 기대한다.

-2021년 11월 조연경 작가 노트 중

ARTIST CV

ARTIST CV

ESSAY

Throughout life, it is always worth challenging something unique and new. While all artists identify their styles from the diverse co-existence of old and new aesthetics, including that of the present, we are not living in an age that requires genius, but rather of one that incorporates the values throughout time.

Together these performances find value in the existence of diversity. Soon enough, however, this will be established as the general normality.

Before that time, for example in music, I would rather be a master performer playing a good classics like Sarasate's Zigeunerweisen than a frontier in pursuing a new aesthetics.

이 세상에 유일한 혹은 초유의 시도란 것은 여전히 인생을 걸고 도전해볼 가치가 있는 것이지만, 이미 불세출의(unique) 천재를 요구하지 않는 이 시대는 현재를 포함 지나간 시대의 모든 미학들이 공존하고 있으며 그 가운데 각자 아티스트들의 퍼포먼스는 다양함 속에서 그 존재의 가치를 찾는다.

언젠가 그 누군가에 의해 이 시대의 혼란으로부터 그 대표적 개념들을 엮어서 하나의 일반명사화 되는 미학으로 정립되겠지만.

그 시간이 오기 전에 나는 새로운 미학을 추구하는 도전자(frontier)이기보다, 음악으로 예를 들자면, Sarasate의 Zigeunerweisen같은 훌륭한 고전을 잘 연주하는 한 연주자이기를 자처하고자 한다.

ARTIST REVIEW

ARTIST CV

ARTIST NOTE

As it is for many artists, my inner self reveals itself through my work.

I presume it is due to my endless questioning and an honest attitude as I face my pieces.

I still see the meaning of life and death as well as tell my life story through chrysanthemum flower.

The environment I have lived in causes me to see the world.

My character makes the world see who I am and the mum acts as a medium for communication between me and the world.

As the mum flower is portrayed in realism the complete view of the work is contained in an abstract form. This represents the duality of reason and emotion within a man, furthermore, containing all dichotomic elements in life. And the presence of the butterfly portrays our encounters and partings we experience.

“Death.”

My chrysanthemum derives from a small segment of my memory as a youth. It is no longer a simple matter of a subject for my work, rather, it became a place of life examination and self-analysis to help communicate with the world.

And I slowly realize.

All that matters start within myself.

And learn to set certain things down and learn to stand on my own.

수많은 작가들이 그러하듯 나 또한 작품속에서 나의 내면이 드러난다.

끊임없는 질문과, 가장 진실된 마음으로 작품을 마주하기 때문일 것이다.

여전히 나는 국화에서 삶과 죽음을 찾고, 그 곳에서 나의 인생을 이야기한다.

나의 살아 온 환경은 내가 세상을 바라보게 하였고,

나의 인성은 세상이 나를 바라보게 하고,

나의 국화는 세상과 내가 소통할 수 있는 매개체가 되어주고 있다.

국화꽃이라는 대상에 사실적인 표현을 하고 있지만 화면전체는 추상적이며 명상적인 공간을 내포하고 있는데, 이는 인간의 양면성인 이성과 감성, 더 나아가 이분법적인 모든 요소가 해당되는 것을 의미한다. 그리고 나비의 존재는 만남과 헤어짐을 빗대어 표현하고자 하였다.

‘죽음’

어릴적 기억의 단편적인 의미에서 시작한 나의 국화는 이제 단순한 그림의 소재만이 아니라

인간의 삶을 고찰하는 장소이자 나 자신을 되돌아보는 소통의 장치로 표현되고 있다.

그러면서 조금씩 깨닫는다.

모든 것의 시작은 언제나 내 마음으로부터 존재한다는 것을.

그리고 내려놓고 홀로서는 것에 대해 배우게 된다는 것을.

ARTIST REVIEW

ARTIST CV

ARTIST NOTE

Perspective is what sees through the work.

It is not about searching to find something when viewing with advertence or idleness, rather, it is about natural coexistence and influence within silence.  It is hoped that through the painting one would experience gentleness and suavity.  That can be of feeling, wisdom deep within or an energetic movement.

For such experience landscapes are an excellent subject matter for the artist to take in the visual subject with intent and demeanor.  An artwork is what reflects such experience and acts as a medium for both the artist and the viewers.

Especially in eastern Asia one’s outlook on universe and philosophy existed in forms of heaven-earth unity, immortality and characterization.  With full energy of the universe, being one with nature as one enters the godly realm was pursued.  It was often symbolized by elements such as the wind, the cloud, a crane and a pine tree.

These elements were implemented in the work to represent the harmony with nature and using space to portray the strong energy of nature’s construction.

And thus, the pursuit of showing one’s aesthetic sense of modern culture combining both Oriental and Western techniques actively continues on.

ARTIST CV

There is scenery that stays inside me.

The sound of rain soaking into the earth, undistinguishable memories of desert, sky and sea, precariously hanging leaf, pale petal, gentle evening light, a seat somebody would have passed, objects under the trail of time...

Those are the sceneries that knock on my heart, sometimes as a falling darkness, other-times, as a shining sunlight.

Likewise, these sceneries in my mind stimulate my imagination in painting and flow into my canvas at a right time while floating around my consciousness in certain forms, colours and imageries. Exhalation of painting and erasing is just like how waves never come in same forms.

Coincidental images are unexpectedly filled and emptied like that. Then, there is the time of patience in between them. As I start to gently stare at and talk to the painting, at one point I no longer feel I am the one painting it, but that the painting is now leading me. That is the moment when I do not have to fight myself any more.

ARTIST CV

ARTIST NOTE­

'Nature-Circulation-Story' 

The world of my paintings is a brilliant dedication to the wonderful cycle of nature. In my frame, the constituent particles of the whole creation brilliantly exclaim their existence with their individual scintillating color sense. In the background of the loud reds or deep blue tones, flowers, butterflies and conches of the sea are vividly depicted with their own timbre. Moreover, the existence of these natural objects signifies the concept of order, that is, cycle. This is different from the general pictorial attitude of depiction, and it’s the essence of my pictures. It may be the manifestation of my artistic opinion intending to interpret nature through the principle of circulation akin to the oriental philosophy.

 'Nature-Boundary' 

There are visible and invisible boundaries in nature. It means that the visible boundaries including regions, location and invisible boundaries are visually indistinguishable things such as time, space and consciousness. In addition, there are boundaries in our nature and within the boundaries, the nature repeatedly changes and circulate. Also we live and think in the boundaries crossing the border. Nature-Boundary series intends to portray the boundaries of the visible things such as flowers, birds, fishes, insects and the invisible things such as time, space and consciousness through a hexahedron.

 'Sympathy-collection' 

People have a habit of seeing, touching, and collecting something which they have interest. We are used to have interest and affection for attaching objects and collect them. In addition, we may want to interact with people who are attractive. These are a form of collecting and it means collection. I recently have worked on the theme of Sympathy-Collection based on still life. Still life is a style that has been done by many artists for a long time. That is still life would be a familiar and easily accessible style in painting. However I tried to get out of general still life and depict a lively space where we can feel vitality with nature things such as butterflies and insects rather than a quiet space. 

ARTIST REVIEW

ARTIST CV

ARTIST NOTE

Creating a painting represents an endless work process consisting of colors and shapes.

It is a process in finding my true self deep within and finally becomes my own when light and dark reaches a harmonic balance.  To possess such colors and shapes is somewhat like harnessing an agony and thus without completely owning them it is impossible to be free from color.

In substituting the Eastern sentiment founded by realism I seek to explore a new variation of a painting.  It is not only about portraying the reality aspect of a material, but also to express theinternal aspects from a mental perspective.  Thus my beloved subject matter such as a flower is, in essence, a representation of my delight and freedom.  A flower is not only a figure for the seeing-eye but acts as a channel to express my deep and subjective emotions within.

ARTIST CV

ARTIST NOTE

Dream on Top (Excerpt)

Korean art culture has developed under the desire for ‘good fortune’ and ‘wish-fulfillment’. Such desire was commonly shared from the top of the hierarchy, the King, to the bottom, the working classes, hence, paintings of ‘The Sun and Moon and Five Peaks’ and ‘The Ten Symbols of Longevity’ were given to the King and majority of the court paintings were limited to this atmosphere. Of course, parade paintings created for the purpose of historical records are excluded. Even realistic portraitures of figures are made to pay respect for ancestors, but also intrinsically, for the spirit of the ancestors to protect the descendants. This goes the same for nobleman and literary scholars. While the classical scholars have expressed the ideals of living freely at-ease on the mountains and waters like the Taoist hermits, the common people’s folk paintings can be interpreted in the same manner.

Some depicted the Four Guardians to ward off the evil spirit, some portrayed the Ten Symbols of Longevity to wish for good health and longevity and some decorated a newlywed’s room with young children’s paintings to yearn for fecundity. Freshly drawn water, enshrinement of one’s ancestral table at home, guardian tree of the village are also ways to wish for good luck and to ward off evil spirits, and they can all be seen as longing for good fortune, the underlying spirit and consciousness of Korean people. The Art of Korea is a spectrum that visually embodies these longings.

The main motive of <Dream on Top> are the Twelve Zodiac Guardians. “Originally, the Twelve Zodiac Guardians are ancient gods positioned on the twelve points of the compass, protecting the Buddhist chanting the Yak-Sa-Kyung(Medicine Buddha Sutra, Korean medicinal dictionary). The Twelve Zodiac are depicted as gods with faces of rat, ox, tiger, rabbit, dragon, snake, horse, ram, monkey, rooster, dog, and pig and human bodies. This belief seems to have derived from Taoist’s Four Symbols, but the Korean Twelve Zodiac Guardians are closely related to medicinal faith. Records from the reign of Sundeok Queen of the Shilla Period depicts a renowned priest, Milbon, curing the queen and other patients with the Yak-Sa Kyung. The Three-Storied Stone Pagodas in Wonwonsa Temple site in Gyeongju (Historic Site no. 46) was sculpted as the first formative art for the Twelve Zodiac Guardian Gods to protect the defense and as a symbol of national unity.”

I would like to shed new light on Korean Art through appropriating the Twelve Zodiac Guardians to the works of <Dream on Top>. It may seem foolish to pull out the banal topic on the identity of Korean art, but I persist on continuing this unanswerable process, because I believe that no one other than those who have specialized in Korean Art can have a discourse on such topic.

 ARTIST REVIEW

ARTIST CV

ARTIST NOTE

A single implication of my work would be routine. If I can just express my day and teach someone my thoughts or smile at my paintings without forcing them, I can relate to my feelings and feelings.

I will minimize the deep sorrow and anguish that everybody has, and admit that it is not beauty or beauty, but weakness, and that I will bring myself and I will never cease to be strong. I don't know for sure what direction my work is going to go in the future, but does everyone need to find a higher one?

I just don't be afraid of what's going to happen and don't be discouraged and think more about keeping my own practice, going up and down the road to the point where I started my own day.

ARTIST CV

ARTIST EXHIBITION PROLOGUE­

 Plane of Meditation & Awareness by Heui-yeong Yi (Art Critic)

 This exhibition was planned to retrospect on Cho Choon-Ja's artistic development and to introduce recent changes of the artist who has dedicated herself to colored figure picture to maintain and develop traditional painting for about 30 years. She is well known as an artist who represents bare women by a clear drawing and a clean coloring to clearly, meditatively do women's beauty. The women exposed on her canvas make us recover a pure pleasure of seeing and meditation beyond a conventional notion of exposed women as sexual object. This characterizes her figures in her work.

She studied art in the mid/late 1970s when there were opposing opinions on art issues. Young artists confronted at that time situations of dualistic oppositions such as oriental painting versus western painting, Indian ink painting versus colored picture, content versus form. She decided to synthesize these oppositions by her own method without choosing either one or the other. Her method became known to the world by her figure picture in the early 1980s. Since then, she has experimented on restoring the clear forms of figures on plane.

Her coloring is done by a new method by which color soaks through the surface, different from a traditional colored picture which is totally dependent on layering on it. As soaking is a tradition of Indian ink painting, therefore, her plane is a soaked coloring. This is a trial for her to synthesize an imposed confrontation of the opposed aspects such like coloring versus Indian ink as plane, a concrete characteristic. It might be said that a solid drawing of figures is soaked through the surface, with depended on coloring. Her experiment like this has been evaluated as important for giving notice of a new development of traditional painting and opening its possibility. And her artistic fruit like this has been recognized by receiving Chunchoo Art Award and Woljeon Art Award.

Our eyes have been recently caught by the works of art which stimulate the nerves and seem to be hurriedly created for commercialism. Much concern is being voiced about a crisis in painting by the introduction of media with cutting-edge technology and extreme experiments. By synthesizing the illusion of a figure seen beyond the plane and the physical truth of the surface on which the illusion is, Cho Choon-Ja's painting shows us that coloring which has been neglected since modern times, is, in fact, a visual factor inherited in Korean blood. I expect that, through this exhibition, we could see the possibility of the painting which wakes up our lost nature and restores it.

각성의 기회

조춘자는 인물의 주변을 구성하는 대상들이 구태의연한 설정과 설명으로 자칫 그것의 중요한 시각적 속성을 가리는 것을 발견하고 이들을 점차 희생시켰다. 그 결과 여인만으로도 화면 전체의 드넓은 면적이 발산하는 시각적 긴장을 드러내게 되었다. 그의 회화에서 여인의 몸과 배경 사이를 결정하는 윤곽선은 아찔하게 화면을 가른다. 한편 이목구비와 같은 세부의 사정(detail episode)들은 몇 가닥만으로 충분한 듯 절제된 선들로 표현된다. 윤곽의 긴 선이 천연덕스레 인물 내부로 가지 치며 흘러 들어 여인의 자태와 모습을 결정한다. 묘사의 구차함을 희생했음에도 그의 선들은 결코 재현된 대상의 특징을 놓치지 않는다. 그것은 바로 전체와 세부간의, 그와 같은 유기적 결합을 보여주기 때문에 가능하다.

그의 화면에서 고른 호흡으로 유지되는 선들의 지속과 단순한 묘사는 회화의 표면이 평평하다는 당연한 사실을 확인시킨다. 요란한 깊이와 과격한 환영은 표면의 막을 넘어서는 판독을 야기할 것이다. 맑은 유리창은 방 안의 환경에는 아랑곳없이 그 너머의 풍경을 선명하게 판독하게 하지만 그 표면에 앉은 먼지는 이쪽과 저쪽을 가로 막은 유리 평면의 엄연한 물리적 사실을 깨닫게 한다. 조춘자의 여인은 표면 넘어 환영의 세계에만 머물지 않고 오히려 그것을 응시하는 관람자에게 표면의 구체적 사실을 간헐적으로 인지시킨다.

어깨가 드러난 여인의 팔에서 그 두께를 형상(figure)의 체적으로 봐야할지 아니면 표면의 바탕으로 봐야할지 하는 난독의 조건을 제공한다. 팔은 두 가닥의 긴 윤곽선으로 면적만 제시되었을 뿐 그 내부에 양감을 암시할 아무런 변화를 보이지 않고 어떤 것은 심지어 어두운 천을 배경으로 노출되었기에 종이 그 자체로 남겨진 것으로 보이기까지 한다. 관람자는 팔로 본 자신의 개념적 경험이 평평히 칠된 물감 혹은 종이라는 물리적 사실 앞에 여지없이 직면하게 된다. 여기서 관람자는 팔이라고 본 자신의 믿음을 재고하고 여인으로 본 분명한 경험마저 환영에 지나지 않음을 깨닫게 된다.

ARTIST REVIEW

ARTIST CV

ARTIST STATEMENT

Having lived in the New York City metropolis for nearly two decades, I’ve enjoyed meeting people from various cultural and ethnic backgrounds. Their personas and ways of life permeate my figurative work. In particular, I enjoy interacting with the many people I meet, and I express my feelings about them through my crass and somewhat naïve style. I portray my everyday life in New York City through this expressionistic series of paintings. A simplistic and at times erotic palette of anthropomorphic figures make up the graphic elements of these energized compositions. From original sketches, created during automatic drawing sessions with close friends at late-night haunts, I render people, aliens, animals and other surreal fauna in layers of colorful paint. Through this figurative process, I explore different concepts of self, other and community.

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ARTIST NOTE

많은 색채를 사용한다고 해서 좋은 그림이 그려진다면 화가의 고뇌는 있을 수 없다. 최재원이 색채를 혼합하거나 사물을 사물대로 그리기 위해 색채 치중하지 않고 거친 평필(平筆)이 유화를 담고 지나가면서 오묘한 흔적을 남기는 것을 발견했을 때, 그는, 마치 포장되지 않은 흙길에서, 또는 농토에서 훈훈한 향기가 솟구치는 것과 같은 느낌을 받았다고 한다. 단순화한다는 것은 면백미(面白美)와도 같다. 그러니까 자연이야말로 면백미인 것이다. 자연 그 자체가 가공되지 않은 순수 그대로인 단순미인 것이다.

최재원이 앞으로 그려 보겠다고 하는 부분이 바로 자연의 미와 같은 면백미인 것이다. 이를테면, 근원적인 성격과 질량 만으로 그 자연물을 해석하려는 것이고, 면백미에 의해 미적 질을 상승시키자는 의도이다.

여기에 필연적인 조건이 있다면, 작가의 의도가 미와 직접적으로 관련되지 않으면 안 된다는 것이다. 그렇기 때문에 최재원은 단순화한 자연물에서 개성과 질량 만을 추출하여 그림을 그리면서도 자연과의 적극적인 관계를 근본으로 하고 있어서 허구성으로부터는 일탈하고 있는 것이다. 비로소 어느 한 부분, 수채화도 유화도 추상이나 구상에도 치우치지 않고 뜻 가는 대로 자유분방하게 그림을 그리겠다는 것이다.

미술평론가 박명인, ‘이형(理型)의 세계에서 사물의 특성을 표현-서양화가 최재원’에서 일부 발췌

ARTIST CV

ARTIST NOTE

엥포르멜이 시각적 환영보다는 촉각적 질감의 효과를 냈다면, 김숙 작가의 작품은 촉각적 질감을 통해 시각적 환영을 만드는 특징이 보인다. 또한, 인상주의의 즉흥적 붓 터치와 확연히 다른 의도적이고 계획적인 조형성이 확연하다. 작가는 화면 위에 감각을 실현하는 것에 집중하고 있다. 결과물은 회화와 조소의 경계를 보듯 화면은 맨드라미의 생동감을 강조하고 있다. 시각을 넘어 촉각에 대한 새로운 물성을 만드는 것은 주목할 만하다. 세잔의 입체에 대한 시점변화는 대상의 물성확보에 대한 새로운 시각이었다. 원근법의 환영이 아닌 회화만의 순수성으로 나가는 길은 물성연구에 대한 새로운 시도가 의미가 있다. 작가는 소재의 사실적 재현과 새로운 해석의 경계선을 넘나든다. 또한, 회화의 순수성을 지향하는 현대미술과 시각적인 쾌감의 극대화 사이에서 자신만의 화면구성과 조형 언어를 구축하여왔다. 화면구성의 새로운 시도들은 원근법의 의존하는 재현을 벗어난 결과를 보여준다. 작가 내면의 반영이며 맨드라미의 자연적 존재가 인간의 삶의 형태와 연결된다. 작가는 인간의 보편성을 맨드라미라는 친근감 있는 소재에 투영시켜 독특한 이야기를 보여주고 있다.

-송민. 중앙일보 칼럼니스트. 미술평론

ARTIST REVIEW

ARTIST CV

ARTIST NOTE

마치 꿈만 같은 사랑은 영감이 되어주고, 그녀의 신중함은 집중력과 더불어 종이 위 혼을 불어 넣고 사물에 생명을 부여한다. 빛의 힘을 잘 알고있는 그녀는 빛에 대한 고도의 감각으로 그림 속 정물들을 변형시키기도, 또는 매우 색다른 맛을 내기도 한다. 빛의 ‘질감’과 ‘형태’를 잡아내고 풍부하게 묘사 할 줄 아는 그녀는 우리가 지금껏 보아온 것과는 사뭇 다른, 새로운 경험을 하게 한다.

신항섭(미술평론가) 평론 발췌

ARTIST REVIEW

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ARTIST INFO

Flowers and A Woman's Breath Stands in the World of Rebirth - Lim Hae-young

Kim Chong-geun (Art Critic)

Cheon Kyeong-ja is a rare artist called the painter of flowers and women in our contemporary painter’s circle. In her work, flowers and women often appeared as subjects and the artist considered them to be a symbol of beauty. If we were to state that the women gazing straight towards the front as if women are focused on the canvas of Cheon Kyeong-ja, the paintings of Lim Hae-young’s with flowers and the women they have the tendency to have us reminisce about Cheon Kyeong-ja work. These two women artists have in common the women and flowers appearing in their works of these two female painters. If we were to say that many of the women in the canvas of Cheon Kyeong-ja have them stare straight forward, Lim Hae-young's paintings seems to have the flowers dancing around the woman as if in a festival, spread out in the background of a woman's portrait.

Despite of all this, the two artists' works clearly seem to have different characteristics of their own and originality. If the flowers appearing in the works of Cheon Kyeong-ja are considered as a subject and the woman holding a bunch of roses is considered to be destined the paintings of Lim Hae-young’s work shows fantastical patterns of flowers in the background surrounding a woman with a dreamlike face.

She began as a painter with ‘Resting Mind in Wardrobe’ series with pink lips and a cheeky face, loveable as an artist who whispers the hymns of the soul.

As a woman became the main theme appearing in the center of her work, the patterns and texture of the clothing worn by the woman gradually were more emphasized as she built her own style with the appearance of women blooming with flowers around the lovely expression. Above all, her work leads people who see the happy woman’s sided posture with an ecstatic expression feel as ecstatic as expressed in the painting.

However, the most prominent forms of Lim Hae-young's recent works are the <Reincarnation> series and <Flora> series.

For example, such works as the <Reincarnation-Monthly Clandestine Rendevous> series are such. These have interesting composition which decorates the story with the dramatic contrast on canvas borrowing from the theme of the painting of Hyewon Shin Yoon-bok in the Joseon Dynasty.

As it is well known, Hyewon Shin Yoon-bok is one of the symbolic artists representing the Korean genre painting of the late Joseon Dynasty alongside with Danwon Kim Hong-do, who represents the artist of Korea who portrayed the culture of high society and the concubines as well as the images of the amusements in a savory manner.

The creation of composition that summons the famous paintings of the Joseon era by the contemporary art have also appeared in other artists, however, Lim Hae-young methods concentrates the irrefutable harmony with Haewon’s paintings. The loveable woman of Lim overlapped with Haewon’s canvas partakes in the scenery of the secret meeting under the moonlight or she peeks at the secret meeting of a nobleman and the concubine on a warm spring day. In essence it was unlike the parody expressions used in the works of famous paintings of Salvardo Dali, Lichtenstein and Fernando Botero.

Lim Hae-young's lovely woman, who is overlapped on the canvas of Hyewon, meets the scene of the meeting filled with joy and joy of life, and a pretty woman of Lim Hye-young is looking down at the scene of a secret meeting on a warm spring day.

As with her other paintings also, most of her works are dominated by ones that warmly integrate the harmony of the scenery and characters of the nightlife at the time with soft and elegant strokes.

It seems as though you are seeing the current works of Lim’s own <Pungsokdocheop> or <Miindo>, telling her very own stories of the relationship and love between the nobleman, men and women in all. This uniqueness of the artist has brought the scenery of the late Joseon Dynasty to the 21st century manifesting a new urban scene. It is important that we understand this motive of the artist. In the end, it can be interpreted that the artist expresses the desire to return to Lim Hae-young of those days. Such evidence is further identified in the finer, more flexible lines of flowers and in the Obang(five-colored) based primary colors and the abundant flowers. In addition, with its modern composition and unique situation setting this scene is full of fragrant, dreamy and romantic atmosphere.

The background and composition also amplifies the atmosphere with a surreal quality that depicts the surrounding background flowers in a cozy, yet surreal atmosphere which then amplifies the woman's character.

The soft pink background, the red, the yellow and the vibrant blue color with entertainment outdoors with music, spirits helps us peek at the state of mind of the artist. Now there is something we have missed in this combination of various sceneries. That is the fact that in all these paintings there is a bird that appears uniformly like the artist's signature, as a blue, a pink or a yellow bird depending on the scenery.

The bird that appears to a woman whom with her eyes shut, dreaming with a mysterious facial expression is like a mascot of the artist Lim Hae-young.

It may well be that the icon that symbolizes the in the work is a bird. The void and yet deeply thoughtful eyes, the myriad flowers that surround her, the closed eyes and soft gestures of a dreaming woman has he bird sitting on her head might as well be a guardian angel or a symbol of hope.

“The bird is a herald who crossed the river of the history of distant time, a symbolic being that connects life and the afterlife, earth and heaven and is a companion of the women. I wanted to share the moment of the splendid beauty of the modern women and the moments of the past with sparkling embroidery as the both elements make a joyous encounter. "

On her canvas, the bird is a medium connecting life and the afterlife, a messenger of the past and the present, and it is a medium to reconcile the living and the dead.

Now the artist states that she wanted to convey the stories of such pure souls metaphorically through the wardrobe. In conclusion, the artist wanted the woman deviated from such time then enter the romantic and dreamlike feeling and implies with the elegant curves and colorful ornaments as a flower and the woman who are out of such a time is personified in sensual and fascinating expression.

As in the moments of enjoyment of the meditation of some fantastical idealism, Lim Hae-young manifesting her fantasies of reincarnation on canvas as a song with her passion and passes it through the bird.

Lim Hae-young continues to honestly confess all the stories of her inner world, through her life as a female artist through 'Reincarnation' series with passion and desire in her work.

I have known Lim Hae-young for a very long time. And thus I know and understand the level of its sincerity in this this confession as well as the depth and meaning of her passion.

The novelist Park Kyung-ri sang, "The dream is in the canvas, the sorrow is in the cigarette, the courageous liberal, the honest life. But she is a rather snarly artist." about Cheon Kyeong-ja.

But now, Lim Hae-young, who said, "My work is the ultimate hope that a woman would quietly and secretly get to know herself and be able to express the elegance and grace of such process be shown in it."

People will likely remember in the future Lim Hae-young as a painter as such, “The dream is in the flower, joy in a woman’s face, an artist who was deeply immersed in the fantasy of a woman and flowers, a bird” living life as a festival of flowers and painted with soulful passion.

환생의 세계에 선 꽃과 여인의 숨결- 임혜영

천경자는 우리 화단에서 보기 드물게 꽃과 여인의 화가로 불린다. 그녀의 작품 속에는 유난히 꽃과 여인이 자주 소재로 등장하기 때문이며, 작가는 그것을 아름다움의 상징이라고 생각했다. 천경자의 화폭에 여인들이 사유하는 듯 정면을 응시하는 것들이 많다면, 임혜영 작가의 작품을 보고 있노라면 너무나 자연스럽게 천경자 화백의 그림을 보듯이 꽃을 든 화폭의 자화상 그림들이 자꾸 아른거린다.

이 두 여류화가의 작품에는 공통으로 모두 여인과 꽃이 등장한다. 천경자의 화폭에 여인들이 사유하는 듯 정면을 응시하는 것들이 많다면, 임혜영 작가의 그림에는 여인의 초상을 배경으로 펼쳐진 꽃들이 영감을 얻은 축제처럼 춤을 추고 있다.

그러나 두 작가의 작품에는 각각의 서로 다른 특징과 독창성이 명확히 존재한다.

천경자 화백의 작품에 꽃이 소재로서 장미꽃을 한 다발 안고 있는 운명적인 여인으로 등장한다면, 임혜영 작가의 화폭에는 환상적인 무늬의 꽃들이 배경으로 몽환적인 표정의 여인 주변을 싸매고 있다.

그녀는 초기 작품 ‘옷에 마음을 놓다’ 연작에서 부터 자화상처럼 핑크빛 입술과 볼그스름한 얼굴의 사랑스럽고 자유로운 영혼의 찬가를 속삭이는 화가로 출발했다.

단순하게 여인이 주제가 되어 전면에 등장하면서 점진적으로 옷의 패턴이나 무늬들이 부각 되었고자연스럽게 여인의 사랑스러운 표정 주위로 꽃들이 풍성하게 피어나는 여인들의 자태로 그녀만의 화풍을 구축했다.

무엇보다 그녀의 작품은 옆모습의 자세가 황홀한 표정과 행복한 감정표현으로 보는 사람들을 황홀한 지경으로 안내한다.

그러나 최근 임혜영 작가에게 가장 두드러지게 등장하는 양식은 <환생> 시리즈와 <Flora> 시리즈이다.

예를 들면 <환생-월화밀회> 시리즈 같은 작품이 그러하다. 조선 시대 혜원 신윤복의 그림에 주제인 달밤 아래 밀회의 정경을 빌리면서 극적인 풍경의 대비로 스토리를 꾸미는 흥미로운 구성이다.

알다시피 혜원 신윤복은 단원 김홍도와 함께 조선 후기의 풍속화가로 쌍벽을 이루는 최고의 작가이며 상류사회의 풍속도나 기녀, 유락도를 가장 감칠맛 나게 그린 한국의 대표적인 작가이다.

이런 이런 시대의 명화를 현대미술에까지 소환하는 제작 구성은 다른 작가들에게서도 등장하지만 살바르도 달리나 리히텐슈타인, 페르난도 보테로 등에게서 명화 패러디나 차용으로 등장했었다.

그러나 이들과 다르게 임혜영의 작품에는 아주 집중적으로 혜원의 그림이 본인의 작품과 절묘하게

쌍을 이루어 최적의 하모니를 이루어 내고 있다.

혜원의 화폭 위에 겹쳐진 임혜영의 사랑스러운 여인, 그녀는 인생의 기쁨과 즐거움이 충만한 채 밀회의 현장과 만나는가 하면, 어느 따뜻한 봄날 양반과 기녀가 은밀한 밀회의 현장에 임혜영 표의 예쁜 여인이 그 모습을 내려다 보고 있다.

다른 그림에서도 대부분 화면의 배치에서도 좌우로 혹은 상하로 당시 유흥의 풍경과 인물의 조화를 부드럽고 우아한 필선으로 따뜻하게 일체화하는 작품들이 지배적이다.

마치 임혜영의 현대판 『풍속도첩』 이나 『미인도』로 불릴 만한 양반층의 풍류와 남녀 간의 연애를 다시 보는 듯하다. 이러한 작가의 독특함은 조선 시대 풍경을 21세기에 다시 불러들여 도시적 감각으로 풀어내는 꿈과 현실의 풍경을 결합하는데 있다.

문제는 이러한 작가의 의도를 이해하는 것이 중요하다.

결국, 작가는 그 시절의 임혜영으로 돌아가고 싶은 간절한 꿈을 이처럼 표현한 것이 아닌가해석된다. 그러한 증거는 더욱이 가늘고 유연한 꽃의 필선과 오방색에 근거한 원색의 산뜻한 색깔과 풍성한 꽃에서 더 확인된다.

게다가 현대적인 구도와 독특한 상황 설정으로 이 화면은 향긋하기도 다분히 몽환적이고 로망틱한 분위기로 충만해 있다.

배경이나 구성도 여인의 인물을 살리기 위해 배경을 생략하는 형식으로 꽃의 주변 배경을 아기자기하게 묘사하는 초현실적 구성으로 분위기를 증폭시킨다.

부드러운 핑크빛 담채 바탕에 빨강, 노랑, 파랑의 경쾌한 빛깔, 음주 가무에 풍악이 있는 야외에서의 유흥 등이 작가가 어디에 마음을 두고 있는지를 살짝 엿보게 한다.

그러나 이제 이러한 다양한 풍경의 조합에서 우리가 꼭 하나 빠뜨린 것이 있다.

그것이 바로 이 모든 그림 속에서 마치 작가의 서명처럼 한결같이 등장하는 한 마리 새가 있다는 사실이다. 그 새는 화폭에 따라 파랑새, 핑크빛 새, 노란 색의 새이기도 하다.

눈을 감고 신비로운 표정으로 꿈을 꾸는 여인에 약방에 감초처럼 슬쩍 나타나는 그 새야말로 작가 임혜영의 마스코트처럼 보인다.

어쩌면 작품 속에 화가 자신을 상징하는 아이콘이 바로 새일지도 모른다.

텅 빈 상념에 찬 눈빛과 그녀를 감싸고 있는 무수한 꽃들, 부드러운 색채와 스토리로 몽환적인 여인의 감은 눈과 제스쳐. 그 머리에 살그머니 앉아 있는 새는 누가 보아도 여인을 지켜주는 수호신이거나 동시에 희망의 상징이 틀림없다.

보통 “새는 먼먼 시간의 역사라는 강(江)을 건너온 전령. 이승과 저승, 하늘과 땅을 연결해 주는 상징적 존재로 여인의 동반자다. 블링블링한 자수(刺繡)를 오브제로 운용함으로써 현대여인의 화려한 아름다움과 과거의 기억이 반짝이며 해후하는 순간을 공유하고 싶었다.'라고 고백 했다.

그의 화폭속에 바로 새는 이승과 저승을 연결하는 영매(靈媒)이며 과거와 현재의 메신저이며 현재와 과거를 연결하는 아이 산 자와 죽은 자의 화해를 해주는 매개체인 것이다.

이제 작가는 옷을 통해 마음으로 전해진 그러한 순수영혼의 이야기들을 은유적으로 풀어보고 싶었다고 했다.

이제는 그런 시간에서 벗어나 의인화하거나 관능적 신비감이 드는 꽃과 여인으로 우아한 곡선과 화려한 장식성으로 몽환적 분위기의 여인이 이상향에 꿈을 실은 매혹적인 표정을 보여준다.

어떤 몽환적 사색을 즐기는 듯 여인의 표정과 색채와 조화를 이루며 감흥에 몰입하는 그 순간들. 임혜영은 그 다시 태어나고 싶은 환생의 그리움을 화폭에 풀어내면서 그 뜨거운 노래와 열망을 새에게 실어 보낸다.

이제 임혜영은 여류화가로서 그동안 예술가로서 살아온 내면의 모든 솔직한 이야기를 작품속에 열정과 욕망으로 ‘환생’ 시리즈 라는 이름으로 고백하고 있다.

나는 아주 오랫동안 임혜영 작가를 보아 왔다. 이 작가의 진솔한 이 고백은 그래서 한 예술가의 진지함이 어떠한 깊이와 의미를 지니는 것인지 잘 알고 있다.

소설가 박경리는 “꿈은 화폭에 있고, 시름은 담배에 있고, 용기 있는 자유주의자, 정직한 생애. 그러나 그는 좀 고약한 예술가다. 라고 천경자를 노래했다.

그러나 이제 “나의 작품은 여인이 진정 조용하고 비밀스럽게 스스로를 알아가게 되는 고아한 내면세계를 전하는 것이 궁극의 바램이다”라고 했던 임혜영을 아마도 먼 훗날 사람들은

“꿈은 꽃에 있고, 기쁨은 여인의 얼굴에 있고, 그래서 꽃과 여인에 빠져 사는 환상주의자, 한 마리의 새’ 인생을 꽃의 축제처럼 꽃을 ‘푸닥거리 하듯’ 그림을 그린 열정의 화가로 임혜영을 기억할 것이다.

김종근 (미술평론가)

ARTIST CV

ARTIST NOTE

2011년부터 시작된 반려동물 작품은 11년째 변화를 거듭하고 있다. 드로잉을 시작으로 ‘가족유사성, 천견합일, SoSo한 이야기, Happy Story, 일상의 소소한 행복을 누리다’로 이어져 개인전과 여러 단체전에 참여하였으며, 최근에는 자연과 개, 그리고 마당에서 새들과의 밀당과 해프닝을 ‘마당숲에서 친구를 만났다’라는 주제로 즐거운 이야기를 담고 있다.

여기에 작고 예쁜 테이블과 수직으로 상승하는 긍정의 기운을 담은 화병, 풍요로움을 상징하는 찻잔을 슬며시 들여놓고, 삶의 행복과 풍요를 기원한다.

개그림을 집에 두면 형제들이 화목하게 되고 재물이 쌓인다는 옛이야기에 괜히 콧노래가 흥흥 나오곤 한다. “모두가 꼭 그렇게 되길” 소망하며, 소소한 삶의 이야기를 반려동물과 함께 긍정의 기운을 담아 표현하고 있으며, 우리 모두에게 위안과 건강, 행복을 전하고자 한다.

In October of the year 2008, Ddanji (Female, 2 mos) from a pet shop and having paid 300,000 won, became a part of our family. (Anxiety) She grew up learning to live together (Search) and to be a happy family member. (Hope) At age two she became a mother of three sons. (Love)

A sudden growth of family and a start of life no longer being alone had growing pains (Conflict) and burdensome at times. (Despair)

Laughing and crying (Understanding) the pursuit of happiness continued on. (Overcome)

This is a story of Ddanji, the dog, how she grew as a member of the family and the emotions she had felt through all. And her story was used as a motif for the 4th solo exhibition in 2015, “Way of Love”.

Ever since the interest in stray or abandoned dogs had increased greatly and with the help of a well-known activist in rescue and medical care, Seo Myong-Won, I was introduced to a rescued dog, Gijugi. (Miracle) Despite being near death from a tragic injury to the spine, being abandoned by loved ones having apparent obvious feelings of fear and despair Gijugi showed resilience as to hold on to life with belief and courage that this world is worth living in.

As I sponsored for Gijugi I was inspired to create a piece that harnesses what I have felt.

Artist’s note after meeting Bori, the dog

Shortly after my solo exhibition in 2015, a wonderful gift had come to me.

In the outskirts of GweSan, a friend sent news of a rescued dog. This was Bori. Without a second thought Bori became our family. I felt as though this event was destined considering my experience with Gijugi. The motif had transitioned from before the times of Bori, Affinity of Family (2014), Dogs Story (2015) and Chun-Gyeon-Hap-Il (2015) followed by Zoopia (2016) and SoSo Story (2017~2018).

Bori was a stray dog that taught me that how you were born is not of importance.

Intelligent and wise Bori leads his life with confidence. A life has just as much meaning as your amount of determination. Although rough-skinned and skinny, Bori showed determination for life through love and belief. And Bori was such a lovely sight to behold.

I feel a surge of happiness as look at a dog swinging a golf club, shouting “Good shot!”.

A dog’s single day is equivalent to seven of human’s. With this in mind, the current piece’s concept is “Good Day”.

Conflict and contradiction, anxiety and despair, joy and sorrow, patience and wait; portrayed in their lives as it is for us as the modern day people.

We recognize companionship as we walk side-by-side comforting each other.

And we all hope for everyone’s “Good Day”.

ARTIST CV

ARTIST INFO

Construction of an expressive world with Logos, beyond text and image

Artist Park Hyeon-chul, with the Christian heart, has been laboring over making the words of God, that is, the contents of the Bible, into objets in the form of texts in English or Korean, that fills the entire canvas in colorful array.  The reason behind the artist bringing text to the canvas rather than images seems to be because what he wanted to express through his work was related to that which exists in non-figurative or transcending form, rather than something in a specific and explicit.  In Christianity, the dictionary meaning of the word Logos, which means the word of God, is “a universal principle that regulates the existence of all things or a form that makes them unique things.” This universal principle and form of all things in the universe was God to Christians, and the artist tried to embody such God as the Logos, the very texts that are the contents of the Bible, instead of a specific image.

Looking at his work, we find that the artist wanted to start his work by arranging these texts on the screen in an orderly manner before describing the contents of the Bible. At this juncture, the artist shows a screen that minimizes any color change or change of light and shade. Here, only thick text is visible, and the artist unifies the entire screen into one color tone to unravel his artistry.  This gives the feeling as if the original plate was produced for relief work or woodcut for sculptural works, and this part has become a characteristic feature of his work. As a result, the canvas feels like an objetifide material, and you experience that it itself becomes a medium that stimulates the tactile senses along with the visual senses. The artist wanted to create a medium through which the reality as a cosmic order could be sensed and communicated not only through the contents of the Bible, but through the visual and tactile senses.

However, the reason why the Bible connects to the Word of God, the Logos, is because the meaning of the word is “the Word is God” and “all things under heaven were created from the Word.” In that sense, it seems that for the artist, facing the text contained in the Bible can be an encounter with the God he believes in.  In other words, it could be that the artist not only tried to express his work as a mediating means of conveying the divine reality, but also wanted to realize the experience of God that he experienced in the work. From that perspective, the author placing consonants and vowels evenly at regular intervals without applying a general spacing method during the work process, is to display that his artistry is the very discipline of his faith expressed in faithful but agonizing labor of servitude.

In such a way, artist leads his audiences to speculate that the work had internal meanings of sacred religious acts, of prayer and supplication, rather than the simple drawing and expressing acts. Therefore, for artist Park Hyeon-cheol, the Bible does not simply function as a text that conveys a certain meaning, but is a passage to a world that can be referred to as 'sublime' in a religious and aesthetic context, and a place to experience the very core of that world.   Therefore, it can be deciphered that the artist, through this exhibition, is trying to guide the audience through this passage to the world that the artist himself has experienced, by means of revelation of his works.

텍스트와 이미지를 넘어 로고스로서의 회화 세계를 구축한다는 것에 대하여

기독교적 정신을 토대로 하여 작업을 해오고 있는 박현철 작가는 하나님의 말씀, 즉 성경(Bible)의 내용을 영문이나 한글 텍스트 형태의 오브제로 만들고 그것을 화면 전체에 채우고 채색하는 작업을 해오고 있다. 작가가 어떠한 이미지 보다는 텍스트를 캔버스에 가져와 작업하게 된 것은 그가 작업을 통해 표현하고자 한 것이 어떤 구체적 형상에 있는 것이라기 보다는 비형상적이거나 형상을 초월한 어떤 것과 관련이 있었기 때문이었던 것으로 보인다. 기독교에서 하나님의 말씀을 의미하는 로고스(Logos)라는 말의 사전적 의미는 “모든 사물의 존재를 규정하는 보편 원리 혹은 고유한 사물이 되게 하는 형식”이라고 되어 있다. 이 우주 만물의 보편 원리이자 형식이라는 것이 기독교인들에게는 하나님이었던 것이며 작가는 그러한 하나님을 구체적 형상 대신 로고스 즉 성경 내용을 담아낸 텍스트로 구현해내려 했던 것이다.

그의 작업을 살펴보면 작가는 성경 내용을 서술하는 것 이전에 이 텍스트들을 화면에 질서 있게 배치하는 것으로부터 자신의 작업을 시작하고자 했던 것을 발견하게 된다. 이때 작가는 어떠한 색채의 변화나 명암의 변화를 최대한 절제시킨 화면을 보여주게 되는데 여기에는 두툼한 두께의 텍스트들만 드러나 보이는 상태에서 작가는 화면 전체를 하나의 색조로 통일시키는 방식으로 작업을 풀어내는 것을 보게 된다. 이는 마치 조각 작품 중 부조 작업이나 목판화를 찍기 위해 원판을 제작해 놓은 것 같은 느낌을 주게 되는데 이러한 부분은 그의 작업에 있어서 특징적인 점이 되고 있다. 그 결과 캔버스는 하나의 오브제화 된 물질처럼 느껴지게 되고 그 자체가 시각적 감각과 함께 촉각적인 감각을 자극하는 매개체가 되는 것을 경험하게 된다. 작가는 우주적 질서로서의 실체를 성경 내용을 통해서만이 아니라 시각과 촉각으로 감각되고 전달될 수 있는 매개체를 만들어내고자 하였던 것이다.   

그런데 성경에서 하나님의 말씀 로고스(Logos)로 연결시키는 것은 그 말에 내포된 의미가 “말씀이 하나님”이며 “천하 만물이 말씀으로부터 창조”되었기 때문이라고 한다. 그러한 의미에서 보면 작가에게는 성경에 담겨 있는 텍스트를 대면하는 것이 자신이 신앙하는 신과의 만남이 될 수 있다고 보았던 것 같다. 즉 작가는 신적 실체를 전달하는 매개적 수단으로서 자신의 작업을 표현하려 했을 뿐만 아니라 이러한 작업을 수행하는 가운데 신에 대한 경험 자체를 작업 가운데 실현해 보고자 했던 것일 수 있다는 것이다. 그러한 관점으로 보면 작업 과정에서 작가가 일반적인 띄어쓰기 방식을 적용하여 텍스트를 배치하지 않고 똑같이 일정한 간격으로 자음과 모음을 균등하게 배치한 것 역시 음소의 차이를 드러내면서도 일정한 위치에 반복 배치하는 구조 자체가 자신의 작업이 일종의 수행과 같은 행위와 형식처럼 인식되도록 작업하고자 했기 때문인 것으로 볼 수 있을 것 같다.

이처럼 작가에게는 작업이 단순히 무엇인가를 그려내고 표현하는 행위라기 보다는 종교적 행위, 기도하는 행위와 같은 내적 의미가 있었음을 짐작해 보도록 만들고 있는 것이다. 그러므로 박현철 작가에게 성경이라는 것은 단순히 어떤 특정한 의미를 전달하는 텍스트로만 기능하는 것이 아니라 종교적, 미학적 맥락에서 볼 때 ‘숭고’로 지칭될 수 있을 것으로 보이는 어떤 세계를 향한 통로이자 그 세계 자체에 대한 경험의 장소가 될 수 있다고 보았던 것 같다. 그렇기에 작가는 결국 이번 전시에서 그의 작업을 통해 작가 자신이 경험하게 되었던 그 세계를 드러내 보여주면서 이제 관객들에게도 그 통로를 안내하고자 하는 것으로 읽혀진다.

이승훈 (미술비평)

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